Hace mucho que la historia de Rapunzel ha fascinado a los magistrales cuentacuentos de Disney; la historia la fue desarrollando desde los años 40 el propio Walt Disney. Los directores Byron Howard y Nathan Greno ayudaron a trasladar “Tangled” (Enredados) a la gran pantalla.

Howard lo recuerda: “Nathan estaba trabajando en el guión antes de que nos convirtiéramos en los directores y vislumbró algo muy interesante en Rapunzel. Así que empezamos a hablar del personaje. Nos preguntamos: ‘¿Quién es este personaje y cómo podemos sacarla lo antes posible de la torre?’ Sabíamos que ella era el motor de toda la historia y si se quedaba todo el tiempo encerrada en esa habitación, no conseguiríamos nada. Y esa fue la clave para construir el personaje”.

“Queríamos convertirla en un personaje más dinámico, y eso significaba que tenía que haber un contrapeso”, añade Greno. “Necesitaba a alguien que fuera su igual, un personaje que pudiera dar la réplica a esta inteligente y extravagante chica. Es muy inteligente pero no sabe nada del mundo. Tiene una visión limitada del mundo y no tiene ni idea de lo que ocurre ahí fuera. Quiere saber lo que son esas luces que flotan en la lejanía. Y ahí es cuándo entra Flynn Rider. Es el tipo más viajado y más listo del barrio. Está de vuelta de todo y sabe cómo funciona el mundo. A lo largo de la película aprenderán a complementarse”.

El director de historia Mark Kennedy y el guionista Dan Fogelman (“Bolt”, “Cars”) ayudaron a los realizadores a dar forma a su historia. La película tomó un nuevo rumbo con Howard y Greno y con algunas significativas aportaciones de John Lasseter. Así fue como se convirtió en un apasionante cuento con dos personajes que viven una intrépida aventura.

Mark Kennedy recuerda: “John quería que la película enamorara al público. Para él siempre fue muy importante que Rapunzel tuviera una personalidad fuerte y que su vida en la torre no fuera desagradable ni aterradora. Nos explicó que es era la hija de un rey y una reina, y que por lo tanto tenía que ser alguien valiente por naturaleza. Así que nos pusimos a trabajar en personajes que fueran divertidos e interesantes y que lograran atraer la atención del público”.

“Desde el principio, Nathan y Byron tenían una idea muy clara de lo que querían hacer con la historia”, añade Fogelman. “Querían contar una historia clásica de Disney de una forma totalmente nueva que encajara con el estilo de la animación generada por ordenador. Querían que la comedia y los personajes tuvieran una sensibilidad del siglo XXI pero conservando muchos de los elementos que el público quiere ver en las películas de Disney. La clave estaba en encontrar un buen equilibrio.

“Dar con la voz y el tono adecuado para Flynn, y hacer que fuera entretenido, fue el mayor reto”, añade. “El personaje está espectacular cuando se dedica a sus juegos mentales con otros. A él le encantan. Es el tipo de personaje que se divierte dándole vuelta a las palabras aunque a los demás no les parezca tan gracioso. Tiene algo de Cary Grant. En el fondo, es un alma perdida que no sabe lo que quiere ni quién es en realidad”.

Howard añade: “A medida que avanza la historia, la película se centra en Rapunzel y Flynn. Es una cinta sobre estas dos personas tan diferentes y sobre la asombrosa química que se produce entre ellos. Y gracias a eso crecen y se convierten en mejores personas”.

“Rapunzel era un personaje tan interesante que teníamos que inventarnos más cosas positivas sobre Flynn para que estuviera a su altura”, añade Greno. “Y a veces conseguía ser más interesante que ella, así que teníamos que encontrar un equilibrio. Pero gracias a este proceso ambos se convirtieron en personajes muy potentes. Está claro que esta película no funciona sin Rapunzel, pero tampoco funciona si quitas a Flynn Rider de la ecuación. Necesitamos a ambos personajes para que la maquinaria funcionase”.

“Intentamos que Flynn Rider fuera el personaje masculino más atractivo que Disney había hecho jamás”, dice Howard. “Investigamos muchísimo. Todas las damas del estudio venían a la ‘Reunión del hombre cañón’, en la que recopilamos fotos de los hombres más guapos. Cogimos fotos de Internet, de libros y también de las carteras femeninas. Ellas sabían muy bien lo que les gustaba y lo que no les gustaba”.

Greno añade: “Las mujeres venían y puntuaban las fotos”.

“Todo el mundo estaba destrozado. Bueno, no se puede tener todo”, dice Howard. “Era bastante complicado ser un hombre en esa reunión. Te sentías falta. Pero intentamos procesar toda esa información para convertirla en un personaje irresistiblemente guapo y atractivo”.

“Creamos el hombre perfecto”, dice Greno.

Al final, Greno ejerció una gran influencia sobre el personaje. “Nueve de cada diez veces, cuando necesitábamos decidir algo sobre interpretación en los dailies, Nathan era el primero en dar su opinión”, dice Howard. “El personaje se le dio muy bien desde el principio. Cuando Zachary Levi se incorporó, añadió otra capa. Y cogíamos todo eso y lo incorporábamos a los storyboards y volvíamos a escribir el guión. Cuando alguien comprende tan bien a un personaje, el trabajo está prácticamente hecho”.

El productor Conli añade: “Lo más asombroso de esta película ha sido trabajar con Nathan y Byron. Llegaron con una historia que había que reescribir, reinventar. Y lograron darle la vuelta con gran rapidez y convertirla en algo realmente excepcional. La habilidad innata que tiene Nathan para contar una historia y el sentido del entretenimiento y la animación de Byron hizo de ellos la pareja idea para dirigir ‘Tangled’ (Enredados)”.

Entendieron perfectamente los personajes y lograron representarlos y comunicarlos increíblemente bien al resto del equipo. Fue muy divertido y satisfactorio trabajo con realizadores tan jóvenes y con tanto talento”.

Disfruto con ambos, pero interpretar a villanos me permite ser más extravagante y hacerlos más divertidos.

• + Fotos | Facebook de TBDC - Tu Blog de Cine. Hazte fan!!!!

Cosas que puedes hacer desde aquí:

• Subscribirte a TBDC - Tu Blog de Cine | Noticias y Criticas de Cine con Google Reader
• Empezar a utilizar Google Reader para mantenerte al día fácilmente de todos tus sitios favoritos

Fuente y fotos: Walt Disney Studios

Yo lo veo a mi personaje como una conjunción de Rafael Nadal, Mick Jagger y Daniel el Travieso”, dice Jake Gyllenhaal al referirse a su último film, la aventura PRINCE OF PERSIA: LAS ARENAS DEL TIEMPO. “Se trata absolutamente de pasarlo bien y de divertirse”, agrega el joven actor, en lo que bien podría ser un punto de despegue para una estrella que se ha hecho conocida por sus papeles en los filmes The Day After Tomorrow, Brokeback Mountain y Zodiac, pero claramente es un objetivo normal para el productor del film, Jerry Bruckheimer, quien es el hombre detrás de éxitos como Piratas del Caribe y La búsqueda.

PRINCE OF PERSIA promete más de lo mismo en la línea de la aventura, más una gran dosis de comedia, un poco de romance y profusión de impactantes efectos especiales. Al igual que los Piratas…,

PRINCE OF PERSIA es también una producción a gran escala, con un equipo de realizadores de 2.000 personas y un incontable número de extras a lo largo de una filmación de cinco meses de duración, dividida entre los Estudios Pinewood y localizaciones varias en Marruecos. Gyllenhaal encarna a Dastan, un travieso y joven príncipe cuya vida adquiere un viso de seriedad cuando es convocado a impedir que la Daga del Tiempo –un antiguo elemento que puede hacer retroceder la historia– caiga en las manos equivocadas. Los consumados actores Sir Ben Kingsley, Alfred Molina y la novata Gemma Arterton ofrecen también su apoyo. El director del film, Mike Newell, conoce todo sobre éxitos taquilleros desde su trabajo en Harry Potter y el cáliz de fuego. Un Gyllenhaal de cabello largo, todavía caracterizado en su traje, se sentó con nosotros para llevar a cabo la entrevista a mediados del rodaje en Pinewood. Llevaba un atuendo de lo más apropiado y heroico, con botas altas hasta la rodilla, pantalones de cuero, camisa abierta de lino y dos dagas calzadas en el cinturón.

Realmente fue el hecho de que amo ver este tipo de películas, así que es difícil negarse a la oportunidad de estar en la pantalla, actuando en un film así. Hay muchísimos aspectos concernientes a la actuación, pero si uno es una persona muy física, como yo lo soy, es grandioso estar saltando por todas partes, por sobre edificios, montar a caballo, jugar con espadas e intervenir en batallas. Realmente es muy divertido. Y además, si uno va a hacer una película grandiosa, entonces hacerla con personas que saben cómo hacerla, y para eso no hay nadie mejor que Jerry Bruckheimer.

Sí, definitivamente, junto con algo de Daniel el Travieso y todo el resto. Me gusta que Dastan sea travieso, un poco cascarrabias, que casi siempre crea que tiene razón y que sea bastante sarcástico, irónico y por sobre todo muy descarado.

Podría hablarte de montones de investigaciones pretenciosas, pero de verdad empecé con el acento y también con la proyección de la voz. Para que una película así tenga éxito se necesita que todo sea a gran escala, grandiosa y teatral. Trabajé con una instructora de voz, quien trajo textos antiguos. En Los Ángeles, yo me paraba en un extremo de la piscina y ella en el otro, mientras me gritaba: “¡Por encima de la pared, hombre, por encima de la pared!” Era como hacer teatro. Eso me dio más fuego interior, me hizo sentir como un guerrero. También hubo mucho trabajo físico.

Fueron seis meses de entrenamiento y, para mí, lo importante es que eso fue muy funcional. Todo lo que hice fue para poder llevarlo al set, no por la estética. Usaba un chaleco antibalas para entrenar y salía a correr con un peso de 20 libras, a fin de simular la armadura, que es muy pesada. Cuando corría llevaba algo en la mano para acostumbrarme a correr con una espada. También practiqué mucho boxeo para asegurarme de estar simétrico de ambos lados, ya que Dastan suele pelear con dos espadas a la vez y todo debe ser simétrico.

[Ríe] No, siempre quiero hacer yo lo más que pueda. Y en las secuencias de lucha soy bastante perfeccionista. Quiero que cada movimiento sea perfecto y me niego a aceptar algo menos que eso.

Simplemente pensé: “¡Vaya…!” Aún durante los ensayos, cuando vi imágenes de lo que el diseñador de producción estaba planeando, me impactó; y más al avanzar, desde los asombrosos trajes hasta los gigantescos sets y las locaciones en Marruecos. No es sólo la envergadura del film ni su alcance, sino también el detalle en los trajes y en los sets. Puedes doblar una esquina en un set y probablemente sea un lugar que nunca será filmado, pero incluso allí están los detalles: tallas increíbles o bellas tejas. Eso significa que si Mike [Newell] decide que quiere filmar a la vuelta de esa esquina o si yo llego a correr por allí, ya está preparado, pensado.

Creo que Piratas del Caribe fue más que una simple adaptación del juego temático del parque, y este film será más que la adaptación del video juego “Prince of Persia”, si bien obviamente este fue el punto de partida. Definitivamente, esto va a ser muy divertido y es una gran historia, pero también tiene personajes interesantes y un sentido de lo épico. Nunca dijimos que esta película es solo para niños o para fanáticos de los video juegos; siempre la concebimos como algo con un atractivo muy amplio. Aunque ahora estoy pensando que todos estamos concentrados en hacer este film lo más sólido y fuerte posible.

Fuente y Fotos: Walt Disney Studios

El pasado Febrero de 2010, Estuvieron en España John Musker y Ron Clements ofreciendo una rueda de prensa para presentar Tiana y el Sapo,  y respondieron a las preguntas de los asistentes. LaButaca.net publicó la entrevista que podéis leer a continuación:

A los mandos de esta clásica historia de princesas, dos veteranos del medio, John Musker y Ron Clements, pareja creativa desde hace más de dos décadas a la que debemos “Basil, el ratón superdetective”, “La sirenita”, “Aladdin” o “Hércules”. Charlar con ambos es hacerlo con dos amigos que saben que ha hecho bien su trabajo. Y además se divierten con ello.

John Musker: Bueno, estamos locos.

J.M.: La película está basada en el cuento de los hermanos Grimm, pero como Tiana no es una princesa, se convierte en rana al besar al sapo. Disney había comprado tiempo atrás los derechos de un cuento llamado “La princesa rana”, en la que pasaba esto. Tanto Disney como Pixar estaban dándole vueltas al proyecto por su cuenta, antes de la fusión; de hecho, Pixar ya había situado la acción en Nueva Orleáns, la ciudad favorita de Lasseter. Así que cuando John volvió, se juntó todo el material. Disney tenía algo tipo “Shrek”, Pixar introdujo el toque de la princesa negra, y personajes como Facilier o Mamá Odie, que es una especie de inversión del hada madrina de siempre.

R.C.: En principio no, la idea de ambientar la historia aquí es previa a todo aquello. Cuando empezamos a trabajar, sí había pasado ya el huracán. John nos llevó a todos allí, pasamos una semana en la ciudad, estuvimos con una sacerdotisa de vudú, visitamos los cementerios y los pantanos… y fuimos durante el carnaval de Mardi Gras, también. Pero hemos visto igualmente la devastación, y nos hemos imbuido un poco del espíritu de la ciudad, es un lugar muy especial. Así que finalmente algo ha tenido que ver, esperamos poder contribuir a que el turismo se anime en la zona, porque aunque se está recuperando poco a poco, todo va muy despacio.

J.M.: No creo que sea como una competición, en mi opinión hay sitio para todos. Está claro que todo está cambiando muy deprisa, pero nos encantan “Toy Story” o “Los increíbles”, son geniales. Pero lo veo como una herramienta más en la animación. La variedad es buena; de hecho, se generan tantas películas por ordenador en la actualidad que la novedad es la nuestra, porque muchos niños no han visto en cine una producción en 2D. Pueden disfrutar de la riqueza de lo manual, incluso atraer a un nuevo público. Y todos los niños se sienten cercanos al dibujo, es algo innato en todos, así que lo que ofrecemos es en cierto modo una celebración del dibujo clásico, de su magia.

J.M.: Nos acabamos de enterar de que en Francia hemos superado a “Avatar”, así que estamos encantados. Está funcionando muy bien Europa en general, y en Estados Unidos hemos superado los cien millones de dólares. La semana que viene nos vamos a Japón, donde tenemos buenas expectativas.

R.C.: De nuestra nueva colaboración con John sólo te podemos asegurar que será animación manual, no podemos decir nada más. Por lo demás, ahora mismo estamos trabajando en una película de Winnie the Pooh, basada en los primeros dibujos del personaje.

J.M.: Desde luego, Miyazaki es un referente para todos, es como el Spielberg japonés. Cuando vimos “Ponyo en el acantilado” nos quedamos alucinados con el montaje, los escenarios… es increíble. Más allá, los grandes musicales de Hollywood, las producciones de la MGM, y los títulos clásicos de Disney como “Pinocho” o “Blancanieves”.

J.M.: Llevamos trabajando juntos casi tanto tiempo como yo llevo casado. Treinta años de matrimonio con mi esposa, y veinticinco con Ron. Nuestra forma de trabajar es muy colaborativa, escribimos juntos el guión y seleccionados juntos las voces, por ejemplo. Pero a la hora de dirigir, seguimos el procedimiento que se impuso en Disney ya hace mucho tiempo, basado en directores de secuencias. Dividimos la película en partes, y cada uno se encarga de una. Con las canciones seguimos el mismo proceso.

VESTUARIO

“Cada película encierra sus propios desafíos”, señala Colleen Atwood, la diseñadora de vestuario ganadora de dos Oscar®. “En ésta el reto eran sus dos mundos -el mundo en el que cae Alicia y el llamado mundo real que hay arriba-, y comprender en qué se parecían y en qué diferían. Cuando recurres a los libros originales, no ves muchas prendas de ropa. El sombrero del Sombrerero Loco es similar al de las primeras ilustraciones de los libros, pero el resto del vestuario es totalmente nuevo”.

Atwood trabajó por primera vez con Burton en “Edward Scissorhands” (Eduardo Manostijeras) y después realizó el vestuario de “Ed Wood”, “Mars Attacks!”, “Sleepy Hollow”, “Planet of the Apes” (El Planeta de los simios), “Big Fish” y “Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street”(Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet).

“Para el mundo real, el vestuario de Alicia fue más clásico. Creamos una versión de su famoso vestido azul”, señala la diseñadora de vestuario. “Jugamos con otros colores, pero volvimos al azul porque nos pareció el color más adecuado y además le favorecía mucho a Mia. Era su color. Después, a medida que avanza la historia, Alicia comienza a usar prendas realizadas con diferentes elementos del mundo en el que está. Al encoger y crecer, Alicia pierde su vestido original y se queda en combinación, que encoge y agranda”.

“Al principio, para el té en el jardín, llevo mi clásico vestido azul”, cuenta Mia Wasikowska, que interpreta a Alice en la película. “Cuando encojo por primera vez, me ato la combinación a la cintura. Luego, en el té, cuando vuelvo a encoger, el Sombrerero me hace un vestidito de 15 centímetros con la combinación. En el palacio de la Reina Roja, cuando crezco, la Reina Roja me confecciona un vestido con las cortinas del palacio, que es un enorme vestido rojo, extravagante e hinchado. No sólo mido dos metros y medio, sino que además llevo un vestido casi igual de ancho. Es muy divertido”.

Los cambios de estatura fueron un verdadero desafío para Atwood, sobre todo porque Burton quería rodar las escenas de la forma más real posible. “Lo estudiamos juntas”, afirma. “y jugamos con las telas y las escalas para que los cambios de tamaño de Alicia funcionasen bien. Cuando ella era pequeña, las rayas tenían que ser mayores. Cuando es más alta, las rayas eran más pequeñas”.

A la hora de diseñar el vestuario del Sombrerero, Atwood comenzó por el sombrero, como es lógico. “El sombrero está basado en un modelo típico de la época. Sólo que su tamaño está un tanto exagerado. Por casualidad encontré en Italia un cuero cortado con láser con un motivo muy raro, como si se hubiese quemado. En cuanto lo vi, pensé: “Sería genial para el sombrero. Después un fantástico sombrero de Londres le dio forma”.

Atwood conoció a Depp en “Edward Scissorhands” (Eduardo Manostijeras). Ambos han trabajado juntos en numerosos proyectos. “Como diseñadora de vestuario, no hay nada como trabajar con Johnny”, confiesa. “Es un artista muy generoso. Tiene un don único a la hora de interpretar a un personaje. Y sabe llevar sus prendas de un modo especial”.

“El vestuario es el caparazón del personaje, un importante primer paso para saber cómo se comporta o se mueve esa persona”, explica Depp. “Colleen es fantástica. Se introduce en la mente del personaje y crea su piel exterior”.

Junto con Depp, Atwood comenzó a diseñar el aspecto del Sombrerero. “Empezamos imaginando quién era el Sombrerero”, apunta Atwood. “Cada vez que Johnny y yo coincidíamos en algún punto, él le daba un nuevo giro. Y lo llevábamos más lejos. Se nos ocurrió que tenía que acarrear todas la herramientas de su profesión, de modo que en lugar de estar en estante, formaran parte de su vestimenta. Así que lleva los dedales y el alfiletero como anillo. Todos esos elementos le confieren una magia especial. Le hacen parecer de otro mundo, pero sigue siendo muy real”.

Una de las primeras ideas que Depp propuso con respecto al Sombrerero fue que sus prendas cambiaran de color con los estados de ánimo del personaje. “Cuando le conté mi idea de los cambios de color según los estados de ánimo, se volvió loca”, recuerda el actor. “Enseguida empezó a diseñar esos accesorios alucinantes, como la pajarita que lleva incorporado una especie de mecanismo”.

Para el vestido de la Reina Roja, Atwood se inspiró en los corazones de las barajas. “El vestido tiene muchas rayas y texturas de corazones para darle escala, y los corazones están hechos con papel dorado”, revela. “Quería que fuera divertido y algo cursi porque la Reina Roja es algo vulgar. Así que los materiales no son muy refinados. Utilicé materiales más cursi para un efecto más gráfico. Los zapatos son de cuero dorado metalizado forrados de encaje. Además añadimos un corazón en la suela de los zapatos, así que cuando levanta los pies, deja ver este pequeño detalle. Pero eran un poco horteras como si fuera una imitación de unos zapatos Louboutin”.

Por el contrario, el vestido de la Reina Blanca es mucho más glamouroso. “La Reina Blanca es la versión Beverly Hills de la Reina Roja”, señala Atwood. “De hecho, lleva un vestido mucho más ceñido, con algo de brillo, parecido al de la Bruja Buena. Pero hay algo en sus siluetas y sus vestidos que deja entrever que son hermanas y crea un nexo entre ellas. El vestido tiene muchas capas de tela, con copos de nieve serigrafiados y estampados de papel metálico para dar brillo, pero un brillo algo agrietado. Además lleva muchas joyas para que parezca más llamativa”.

“Es el vestido más suntuoso y frágil que he llevado en mi vida”, dice Anne Hathaway, que da vida a la Reina Blanca. “Me encanta. Es precioso. Si has soñado con ser hada o princesa, esta es la clase de vestido que desearías tener. Me encanta que sea una Reina tan idealizada, la típica Reina de un cuento de hadas, pero la de una película de Tim Burton, así que tiene que haber un lado oscuro”.

Las prendas del Sombrerero se retocaron en postproducción para que reflejaran los cambios de su estado de ánimo, pero el vestuario de otros personajes como el Conejo Blanco o la Liebre de Marzo se elaboró digitalmente en su totalidad. “Muchas de las prendas las diseñé yo, en otras colaboré con los animadores proporcionándoles muestras de telas, texturas y sugerencias, sobre todo para que las texturas fueran homogéneas”, afirma Atwood. “Siempre que trabajo en el vestuario de una película de Tim Burton, me convierto en una artista”.

MAQUILLAJE

El maquillaje de la película estuvo a cargo de Valli O’Reilly. O’Reilly, que trabajó en películas como “Lemony Snicket’s A Series of Unfortunate Events” (Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket), “Last Chance Harvey” (Nunca es tarde para enamorarse) y “Mars Attacks” de Burton, afirma que la película era un canto a la creatividad, al ingenio y a la paciencia. “En esta película en particular, la imagen se logró a través de un proceso de eliminación”, cuenta O’Reilly. “Todos los personajes tenían un montón de detalles. A Tim le gusta eso, a él le gustan los colores. Le fascina todo lo que llame la atención”.

Entre esos detalles cabe destacar la cicatriz en la cara de Stayne, inspirada en una antigua película de Kirk Douglas; las cejas tan cuestionadas de la Reina Roja; la palidez del rostro de Alicia y las cicatrices que le deja el ataque de Magnapresa en el brazo. “Debía hacerlas todos los días en el mismo lugar”, explica O’Reilly. “Así que realicé una plantilla que coincidía con los lunares del brazo de Mia”.

Patty York se encargó del maquillaje de Johnny Depp. “El concepto de Johnny Depp para el maquillaje del Sombrerero Loco era muy de Johnny”, declara York. “En mis 20 años de maquilladora, en los que he maquillado a Johnny en 17 películas y otros proyectos, he aprendido que es una persona a la que le importa mucho su aspecto. En esta ocasión el maquillaje surgió de una acuarela que Johnny había realizado del Sombrerero. Así que sólo tuve que recrear esa imagen con el maquillaje”.

Antes del rodaje, O’Reilly trabajó individualmente con los actores para elaborar sus imágenes definitivas, y presentó al director varias alternativas. “Me gusta colaborar con los actores”, señala O’Reilly. “Siempre lo he hecho. Yo les digo: ‘lo hacemos a tu manera y rodamos una prueba, después lo hacemos a mi manera y vemos cuál de las dos nos gusta más’. Creo que el secreto de un buen maquillaje radica en la colaboración con el actor, porque ellos son quienes dan vida al personaje”.

LA MODA DEL MUNDO REAL

“ALICE IN WONDERLAND” (ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS): ha sido fuente de inspiración para la moda de verdad, desde la colección de primavera/verano 2010 de Donatella Versace, hasta los accesorios de Stella McCartney, las joyas del mundialmente reconocido diseñador Tom Binns, a los modelos exclusivos de Christopher Kane, Alexander McQueen, Martin Margiela y Ann Demeulemeester que se exhibieron en el escaparate de los grandes almacenes Le Printemps de París, durante el estreno de la película. La famosa diseñadora Sue Wong anunció recientemente su línea de vestidos exclusivos para la primavera 2010, inspirada en el mundo de fantasía de la película.

Swarovski, la prestigiosa firma de cristal, lanzó una colección exclusiva de joyas, y OPI presentó cuatro nuevos colores de esmalte de uñas en una edición limitada basados en la película. Urban Decay creó una línea exclusiva de sombras de ojos que presentó en un original estuche de edición limitada.

Para un realizador conocido por crear mundos fantásticos y prodigiosamente elaborados, el rico elenco de extraños personajes y el mundo mágico creado por Carroll le dio a Burton la oportunidad de dar rienda suelta a su imaginación.

“Lo más increíble es que las imágenes de los libros de Carroll son muy fuertes”, señala Wasikowska, que interpreta a Alicia. “Por esa razón es tan interesante la dirección de Tim, porque él es una persona increíblemente visual.”

“Todo el mundo tiene una imagen del Submundo”, señala Burton. “Creo que la gente tiene en mente un lugar muy luminoso y de dibujos animados. Pero creímos que si Alicia había vivido esa aventura de niña, puede que lo encontrara un poco deprimente desde que se fue. Ahora posee una cualidad ligeramente fantasmagórica”.

“Es un mundo encantador, divertido y algo extraño”, apunta el productor Richard Zanuck acerca del Submundo de Burton. “Y por supuesto, el aspecto visual es increíble: tienes que verla dos veces para captar todos los detalles. Ese tipo de visión extravagante sólo puede surgir de la mente de Tim. Visualmente, es una verdadera maravilla.”

Para crear su visión del Submundo, los realizadores acudieron en primer lugar a las fuentes: los libros de Carroll. “Reunimos todo el material artístico de los ilustradores de Alicia en el País de las Maravillas y lo colgamos en la pared para crear ambiente”, recuerda el diseñador de producción Rob Stromberg. “Luego empezamos a hablar de cómo podríamos ser fieles al libro, pero dotándolo de una magia que no se había visto jamás”.

“Las ilustraciones de la edición original del libro se convirtieron en una excelente hoja de ruta para nosotros”, añade el director artístico Todd Cherniawsky. “Nos sirvieron para recrear los flashbacks de Alice en la película, mientras que lo que acaba pasando en el Submundo lleva el inconfundible sello de Tim Burton”.

El Submundo de Burton está en decadencia, carente de color y vitalidad bajo la opresión de la Reina Roja. Pero según dicen los realizadores, ese no fue su punto de partida. “En un primer momento, concebimos el Submundo como un lugar muy brillante, repleto de color”, cuenta Cherniawsky. “Pero a medida que esos primeros diseños iban evolucionando, Tim reaccionaba: ‘Esto es visualmente muy bonito, pero es mejor reservarlo para el final”. Así que tuvimos que modificar la estética para adaptarla al mundo de Tim, y en cierto sentido se convirtió en un cuento sobre la tiranía y la opresión”.

La clave del aspecto fantasmagórico del Submundo fue una fotografía de la Segunda Guerra Mundial en la que una familia británica toma el té en el jardín de su mansión. “A lo lejos se divisa la ciudad de Londres recortada en el horizonte, bastante destruida”, explica Cherniawsky. “Eso sirvió para crear el arco del Submundo que comienza como un lugar lúgubre con una paleta de colores apagados. Luego, a medida que avanza la película, cuando las cosas empiezan a ir mejor, hay más luminosidad y más colores”.

“En el Submundo, como en cualquier país de cuento de hadas, conviven el bien y el mal”, agrega Burton. “Lo que me gustó del Submundo es que todo está un poco más borroso, incluso la gente buena. Y en mi opinión, ahí reside la diferencia”.

ALICIA (Mia Wasikowska) es una joven de 19 años con toda la vida por delante. Es una joven independiente que se siente atrapada en el encorsetado Londres de la era victoriana. Alicia Kingsleigh no sabe cómo encontrar un equilibrio entre sus sueños y las expectativas de los demás. Su verdadero destino se encuentra en El Submundo, el lugar que ella visitó por primera vez cuando era niña (y al que llamó el País de las Maravillas), pero del que ahora no recuerda nada ni reconoce a sus habitantes. Así que Alicia cae en la madriguera que la llevará de regreso al Submundo, donde se reunirá con sus amigos de infancia, incluyendo a la oruga Absolem, el Gato de Cheshire, Tweedledee y Tweedledum; y, por supuesto, el Sombrerero Loco. Alicia cree que todo es un sueño cundo encoge y crece, crece y encoge. Pero cuando se encuentra con algunos de los no tan amistosos residentes del Submundo y le piden que defienda este país de fantasía, Alicia no está tan segura de estar a la altura del desafío.

EL SOMBRERERO LOCO (Johnny Depp) no sólo es todo corazón sino que sus cambios de humor se reflejan con enorme viveza en su cara y también en su atuendo. Ha esperado ansiosamente el regreso de Alicia y es el único amigo de verdad, el que cree en ella cuando nadie lo hace. No tiene miedo a nada, y recorre enormes distancias para protegerla corriendo todo tipo de peligros. El Sombrerero se sentía orgulloso de confeccionar los sombreros de la Reina Blanca. Pero está enfermo por culpa del mercurio que actúa como un veneno, un efecto secundario de la fabricación de sombreros y no está nada bien. “El Sombrerero siempre me pareció un personaje trágico”, dice Depp. “En muchos aspectos es una víctima. Es cierto que sufre los efectos del mercurio pero en esta versión hay un elemento trágico de su pasado que pesa mucho en el personaje”.

IRACUNDA, LA REINA ROJA (Helena Bonham Carter), es la tiránica monarca del Submundo, una amalgama de la Reina de Corazones de “Alicia en el País de las Maravillas” y la Reina Roja de “A través del espejo”. Con su enorme cabeza, su carácter explosivo y su irrefrenable tendencia a chillar para que le rebanen la cabeza a la gente, gobierna a sus súbditos sirviéndose del miedo. “Tiene problemas psicológicos”, dice Bonham Carter. “Pierde los nervios con cualquier cosa, por nimia que sea. Sus rabietas son propias de una niña de dos años”. Su hermana pequeña, la Reina Blanca, tiene motivos en el trono y en la corona que Iracunda le robó.

MIRANA, LA REINA BLANCA (Anne Hathaway), es la hermana menor de la Reina Roja, y aunque parece todo luz y dulzura, esconde un lado oscuro. “Tiene el mismo mapa genético que la Reina Roja”, señala Hathaway. “En realidad, a ella le atrae el lado oscuro de las cosas, pero le da tanto miedo adentrarse en ese mundo que ha intentado que todo tenga una apariencia luminosa y feliz. Pero vive en ese lugar por miedo a perder el control”. Cuando Alicia regresa al Submundo, la Reina Blanca la toma bajo su protección aunque sus motivos no son totalmente altruistas.

ILOSOVIC STAYNE, LA JOTA DE CORAZONES (Crispin Glover), es el jefe del ejército de la Reina Roja. Con su 2,28 metros de altura, una cara llena de cicatrices y un parche en forma de corazón que cubre su ojo izquierdo, Stayne es un personaje arrogante y astuto que cumple sin rechistar las órdenes de la Reina Roja. Es el único que consigue calmarla y apaciguar sus drásticos cambios de humor. “Soy la mano derecha de la Reina Roja”, dice Glover. “La Reina Roja es muy temperamental y enseguida pierde los nervios con la gente. Así que mi personaje tiene que ser muy diplomático”. Su lado más oscuro sale a la luz en las sombras de los pasillos del castillo.

TWEEDLEDEE y TWEEDLEDUM (Matt Lucas) son dos rollizos hermanos gemelos que están en constante desacuerdo entre ellos y cuyo extraño parloteo sólo comprenden ellos. Cuando Alicia llega al Submundo, acude a los Tweedles en busca de consejo. Inocentes e infantiles, adorables y tiernos, sus intenciones son buenas pero no son de gran ayuda ya que hablan con ritmos y acertijos extraños. “Me gusta pensar que los Tweedles nunca habían conocido a un verdadero ser humano”, señala Lucas, el comediante y actor británico que encarna a ambos hermanos. “Cuando Alicia llega, se convierte en un objeto de curiosidad. Alicia es la rara y todo lo demás es lo normal. Una oruga que habla es normal; una niña es lo extraño”.

McTWISP, EL CONEJO BLANCO (voz de Michael Sheen) siempre llega tarde, siempre está corriendo y siempre está apurado. Le han encargado que encuentre a Alicia y que la traiga al Submundo para que pueda cumplir con su destino. Por eso se presenta en el té del jardín, para atraerla a la madriguera del conejo. “Es un personaje entrañable”, dice Sheen, “pero también es muy quisquilloso y bastante severo con Alicia. Está siempre al borde de un ataque de nervios, con la impresión de que llega tarde a todas partes. El tiempo es muy importante para él, pero cuando es necesario es muy valiente”.

ABSOLEM, LA ORUGA (voz de Alan Rickman) es el guardián absoluto y sabelotodo del Oráculo, un documento antiguo que recoge todos los grandes acontecimientos pasados, presentes y futuros de la historia del Submundo. El Conejo Blanco, la Morsa y el Carpintero llevan a Alicia ante Absolem, para que asegure que se trata de la verdadera Alicia, la que visitó el Submundo cuando era niña, la Alicia que está destinada a ayudarles. Encuentran a la protuberante oruga azul encima de una seta en un bosque de setas sumido en una espesa neblina. Absolem pone a prueba a Alicia para saber quién es realmente, y le obliga a enfrentarse a una pregunta bastante complicada: “¿Quién eres?”

CHESSUR, EL GATO DE CHESIRE (voz de Stephen Fry) es un gato atigrado que tiene la habilidad de aparecer y desaparecer. No se inmuta con nada y su seductora sonrisa enmascara su cobardía. Es el la cabeza de gato incorpóreo que se le aparece a Alicia en el Bosque de Tulgey después de que le atacara una malvada criatura llamada Magnapresa. Se ofrece a curarle los profundos cortes que tiene en el brazo lamiéndoselos. Alicia no se lo permite, pero deja que la lleve a tomar el té en la fiesta del Sombrerero. Allí, el Sombrerero le reprocha haberles abandonado el día en que la Reina Roja se apoderó del Submundo. Utilizando su talento y el codiciado sombrero de copa del Sombrerero, el Gato de Chesire acaba encontrando la forma de redimirse.

MALLYMKUN, LA LIRONA (voz de Barbara Windsor) es un ratón bravucón del Submundo que viste pantalones de montar. Se niega a creer que el Conejo Blanco ha encontrado a la verdadera Alicia, la que puede ayudar a que el Submundo recupere su verdadero esplendor. Así que no duda en pinchar a la pobre Alicia en el tobillo con un alfiler de sombrero porque Alicia insiste en decir que sólo está soñando. Pero el obstinado ratoncito aparece por arte de magia cuando una criatura con garras llamada Magnapresa amenaza a Alicia. Su lealtad hacia el Sombrerero es extraordinaria y no duda en enfrentarse a la muerta para permanecer a su lado.

EL DODO (voz de Michael Gough) es uno de los primeros habitantes del Submundo que Alicia encuentra al llegar al país de fantasía. Además, es uno de los habitantes más antiguos del Submundo. Usa gafas y lleva un bastón. Sabio y de pocas palabras, pone fin a la discusión de sus amigos sobre la verdadera identidad de Alicia sugiriéndoles que la lleven ante Absolem, más sabia que él.

EL GALIMATAZO (voz de Sir Christopher Lee) es alto como un dinosaurio con alas de reptil, escamas y garras largas y afiladas, con una cola puntiaguda y viste un chaleco. Esta bestia feroz es el arma favorita de la Reina Roja y se interpondrá entre Alicia y su destino final.

LA LIEBRE DE MARZO (voz de Paul Whitehouse) es el anfitrión de los tés del Sombrerero en su Casa de la Liebre. Es un personaje paranoico, nervioso y bastante chiflado y no deja de mover sus pezuñas y sus orejas. Además es famoso por lanzar por al aire teteras y otros objetos. Le encanta cocinar y es uno de los pocos habitantes del Submundo que escapa a las garras de la Reina Roja.

BAYARD, EL SABUESO (voz de Timothy Spall) se convierte -contra su voluntad- en cómplice del ejército de la Reina Roja por temor a que maltraten a su esposa y sus cachorros encarcelados, si no obedece las órdenes de Stayne. Pero se muestra leal con la resistencia clandestina del Submundo, convirtiéndose tanto en aliado de Alicia como en un práctico sistema de transporte.

MAGNAPRESA es una horrible criatura que babea y huele mal, con un enorme cuerpo apestoso, una cara aplastada que esgrime los temibles dientes de un bulldog rabioso. Un zarpazo de sus largas garras deja a Alicia un doloroso recuerdo del horrible reino que ha instaurado la Reina Roja.

Al incorporar los personajes, los elementos narrativos y los temas centrales de los libros de Carroll, la “Alice in Wonderland” (Alicia en el País de las Maravillas) del director Tim Burton lleva los cuentos a otro nivel y, por así decirlo, presenta a una Alicia crecidita que regresa al país que visitó de niña.

La guionista Linda Woolverton presentó la idea a los productores Joe Roth y Suzanne y Jennifer Todd. “Linda nos trajo una idea maravillosa”, señala Roth. “Todo encaja perfectamente, como una alegoría política: los habitantes del Submundo no están simplemente locos, son verdaderos revolucionarios. La historia me conmovió a todos los niveles. Y Disney parecía el lugar adecuado para hacerla realidad. Para dirigir la película sólo había una opción: Tim Burton. Y lo mejor es que él también quería hacerla”.

“Me dieron un guión y me dijeron 3D”, cuenta Burton. “Antes de leer el guión, la idea me pareció fascinante. Lo que me gustó del guión de Linda es que había convertido las aventuras de Alicia en un relato, las convirtió en un material cinematográfico que no era el del libro. Todos estos elementos me parecieron maravillosos”.

“Alicia tiene ahora 19 años y está a punto de contraer matrimonio, algo de lo que no está muy segura”, explica la guionista Linda Woolverton. “El tiempo ha pasado. La Reina Roja domina el país. Todo el reino se encuentra bajo su poder. Y los habitantes del Submundo necesitan a Alicia”.

Cuando Walt llegó a Hollywood, encontró un trabajo como extra en un western, pero llovió el día que su escena iba a ser filmada y el estudio lo sustituyó por otro actor. “Ese fue el final de mi carrera como actor,” Dijo Walt, así que volvió a su verdadera vocación: la animación. Se instaló en un pequeño estudio en el garaje de su tío Robert. Escribió a M.J. Winkler, un distribuidor, para comunicarle que estaba montando un estudio en Los Angeles con el propósito de producir una nueva serie de animación. El estudio, por supuesto, era el garaje. Y la nueva serie de animación era su medio acabada Alice’s Wonderland que había empezado en Kansas City, una combinación de una niña real con un montón de personajes animados. Winkler compró media docena de esos cortos por la cantidad de 1,500 dólares y Walt se puso a trabajar.

Walt sabía que no tenía ni idea de como dirigir la parte financiera de sus esfuerzos, así que convenció a su hermano Roy para que se uniese a él en California como socio de su nuevo negocio. Esa fue probablemente la mejor de todas las decisiones que tomó en su carrera. Walt era ahora libre de dejar volar su imaginación, mientras Roy se aseguraba de que les quedaba algún dinero para comer. En 1923 crearon Disney Brothers Studio, con un capital de 200$ que Roy había ahorrado, 500$ que les prestó su tío y 2.500$ que sus padres, Flora y Elías, les dieron, para lo cual tuvieron que hipotecar su casa de Portland. Compraron una cámara usada, alquilaron un pequeño estudio en la parte trasera de una oficina inmobiliaria, se mudaron juntos a un apartamento de un dormitorio, contrataron un par de asistentes y, según dijo el propio Walt, “comenzó el proceso de hacer famoso el nombre de Disney en todo el mundo.”

En el camino hacia la fama internacional, Walt se enamoró. Había contratado a una dulce y gentil muchacha llamada Lillian Bounds. Por las noches llevaba a sus dos empleadas a casa en el coche que él y Roy habían comprado. Siempre llevaba primero a la otra chica a pesar de que Lillian vivía más cerca del estudio. A Walt le encantaba escuchar las historias de esa interesante chiquilla, la pequeña de 10 hermanos hijos de un herrero. Pasado un tiempo, empezaron a dar largos paseos, hablando todo el tiempo, pero Walt no aceptaba nunca las invitaciones de Lillian para conocer a sus padres. No hasta que hubiera ahorrado lo suficiente como para comprarse un traje para el acontecimiento. Cuando por fin llegó el momento, Walt encajó muy bien en la familia. Mientras tanto, su vida con Roy se deterioraba, no se soportaban como compañeros de piso, así que a principios de 1925, Roy se casó con su novia Edna y, poco después, el 13 de Junio de 1925, se casaron Walt y Lilly.

Lilly, como Walt la llamaba, enseguida entendió que no era el único amor de la vida de Walt, pues él también amaba con locura su trabajo. A veces estaban pasando una tarde tranquila con la familia y, de repente, Walt anunciaba “Tengo que irme a hacer una cosa en el estudio.” Lo siguiente que Lilly recordaba era despertarse en el sofá del estudio a media noche para, por fin, irse a casa.

La serie de Alice tuvo éxito, pero M.J. Winkler traspasó la empresa a su marido, Charlie Mitz, y este era un cliente difícil y solía discutir con Walt. Cuando la serie de Alice dejó de tener tanta demanda, Walt creó un nuevo personaje, Oswald el Conejo Afortunado. Pero este conejito no le daría tanta fortuna a Walt.

Fuente: Walt Disney Family Museum

Fotos: Disneydreaming.com, The Glyph!