El Cascanueces era la composición más aborrecida por su propio autor, aunque considerada por muchos la mejor de Tchaikovski y también la parte más bonita de Fantasía.

Los artistas que participaron en la creación de este segmento exploraron con lápices de colores y pasteles así como nuevos usos para la cámara multiplano. El departamento de efectos especiales creó ilusiones nunca vistas dando luminosidad a los fondos y los personajes con los brillos y fosforescencias que emanan de ellos.

Disney decidió no contar la historia del cascanueces, sino hacer algo nuevo con ella… dejar volar la imaginación y animar las imágenes que le evocaba la música. Pero esta vez no había formas abstractas en lo que su mente fabricaba. Disney y sus artistas crearon nuevos personajes y le dieron un nuevo sentido a la música del Cascanueces, convirtiéndolo en un ballet de hadas y flores representando las estaciones del año.

El maravilloso elenco de hadas, flores, hongos, peces y colores, dan vida al fantástico mundo de la naturaleza acompañados de la hermosa música magníficamente dirigida por Leopold Stokowski, nos introduce de lleno en la película tras la Tocata y Fuga que anunciaba el comienzo de algo espectacular.

Muchos años después del estreno de Fantasia, Walt Disney dijo que aún no había obtenido beneficios de esa película, pero que era lo mejor que había hecho hasta entonces con los medios de los que disponía.

Fantasía fue un experimento de enorme magnitud que nos demuestra que la animación hace posible lo inimaginable. Es la prueba viviente de que el talento artístico y la tecnología no tienen límites y con ellos se puede crear y materializar cualquier cosa.

Es errónea la creencia difundida por Deems Taylor de que el origen de Fantasia fue la necesidad de crear un nuevo corto con Mickey Mouse que lo lanzase de nuevo al estrellato porque el éxito del Pato Donald lo había eclipsado. El boom del Pato Donald no tuvo en realidad nada que ver para que Disney tomase la decisión de hacer un nuevo corto de Mickey Mouse. Lo que sí es cierto es que El Aprendiz de Brujo, ya se hallaba en producción cuando se decidió hacer un largometraje.

El Aprendiz de Brujo estaba en pre-producción y no iba a ser más que un corto para contar el famoso cuento utilizando la música de Paul Dukas, y la idea no era devolver a Mickey al estrellato, sino desarrollarlo como personaje. Walt quería que este corto fuese espectacular y el presupuesto se disparó. Una noche, cenando en un restaurante Walt vió a Stokowski sentado en una mesa y le preguntó si podía sentarse con él. Hablaron de El Aprendiz de Brujo, el famoso director se ofreció a hacer la banda sonora y, una vez enfrascados en el proyecto terminaron decidiendo convertir el proyecto en el largometraje que hoy es Fantasia.

Cuando Roy Disney, que controlaba la parte económica de la compañía, vió que el coste de El Aprendiz de Brujo había alcanzado un presupuesto de 125.000$ se llevó las manos a la cabeza, y así fué como Walt vió una oportunidad de venderle a su hermano la idea de convertir el corto en un largo.

Se dice que fué Leopold Stokowski quien tuvo la idea de hacer el largometraje, pero no fué así. Fué el propio Walt quien sugirió la idea a Stokowski, y no al revés.

La película tuvo por un tiempo el título provisional de “The Concert Feature” (La Película Concierto). En una reunión en la que también estaban Walt Disney, Taylor, Grant y Huemer, Stokowski dijo que ese proyecto era una “fantasia“, que es un término musical que se usa para denominar una composición realizada de forma inusual en un estilo irregular o peculiar. Lo que la propia palabra representa y el hecho de que esta denominación sea igual en todos los idiomas, fué lo que hizo a Walt tomar la decisión de darle el título actual a la película.

Stokowski tenía una forma muy peculiar de trabajar, y decidió grabar la banda sonora en una sola noche. Citó a todos los miembros de la Orquesta Filarmonica de Filadelfia para grabar a LAS 3:00 DE LA MADRUGADA!!!! En 3 horas habían terminado la grabación completa. Cuando le preguntaron a Stokowski por qué había decidido grabar a esas horas dijo: “Los músicos toman café para no dormirse y eso les mantiene alerta”

Stokowski entendía que el sonido de esta película no podía grabarse de forma convencional, porque los sonidos de la orquesta venían de cientos de instrumentos y direcciones, por lo que al reproducir la grabación en un sistema normal el sonido se distorsionaba. La banda sonora se grabó en 9 pistas separadas. Stokowski se encargó personalmente de editarlas, mezclarlas y controlarlas subiendo o bajando el volumen de determinados instrumentos y pasajes. Por ejemplo, el clarinete tiene una parte qlue vale la pena destacar en el segmento de la tormenta de la sinfonía Pastoral. En directo no se aprecia apenas el sonido del clarinete en este segmento, por eso Stokowski subió el volumen de este instrumento en esta parte para hacerlo destacar.

Walt quería que el estreno de Fantasía fuese un gran acontecimiento y que icorporase nuevas tecnologías y nuevas técnicas para hacerlo más espectacular. Entre las ideas que se barajaron estuvieron la de incluir pantallas a los laterales del cine para que la película rodease al público y la de incluir algún segmento en tres dimensiones para el que habría que usar gafas de visión 3D. Finalmene hubo una de esas ideas que sí fué posible llevar a cabo: el primer sistema de sonido envolvente de la historia del cine, del sonido y de la música. El sistema FANTASOUND era incluso mucho más complejo y avanzado que los actuales sistemas de sonido sorround, pero tan sumamente caro que incluso hoy tendría un coste extremadamente prohibitivo.

Con el sistema de sonido FANTASOUND, la música no solo se oía desde diferentes partes de la sala, sino que además revoloteaba entre el público. El sonido viajaba de delante hacia atrás, de atrás hacia delante, alrededor del público y por encima de él. Además se conseguía también el efecto de que los sonidos de distintos instrumentos se moviesen en sentidos y direcciones distintos, así mientras un instrumento iba desde el fondo de la sala hasta la pantalla, otro instrumento viajaba alrededor del patio de butacas.

Fantasia se pudo estrenar en muy pocos cines, debido a que la instalación del Fantasound requería, no solo una instalación muy complicada, sino también algunas modificaciones arquitectónicas en los teatros, incluso en sus cimientos.

La animación de Fantasía empezó el 21 de enero de 1938. Justo un mes después del estreno de Blancanieves y los 7 Enanitos.

Se barajaban ideas de todo tipo para contar las historias y se planteaban cuestiones de todo tipo para obtener los mejores resultados: ¿Qué puede hacer Mickey cuando sueña que es mago? ¿Qué nexo de unión puede haber entre el agua del sueño y el agua que inunda la habitación donde está Mickey? ¿Cómo se esparcen las gotas de rocío de las hadas? etc.

Cuando finalmente se estrenó Fantasia, hubo muy buenas críticas, pero también las hubo muy malas, y estas fueron la mayoría de ellas. El público rechazó la idea de Fantasia, considerándola aburrida y pedante.

No fué hasta el re-estreno de 1969 cuando pudo obtener beneficios, gracias a los nuevos ideales de la era de la psicodelia, lo cual demostró que Walt Disney siempre iba por delante de su tiempo. Desde ese año, Fantasía se ha proyectado todos los días en algún lugar del mundo hasta su 50 aniversario de 1990.

Fantasía fué también la primera película con sonido digital de la historia del cine. Fué en 1985 cuando se re-estrenó con una nueva banda sonora dirigida por Irwin Kostal y grabada con esta nueva tecnología.

Hoy en día, Fantasia es considerada una de las grandes obras maestras de Walt Disney, y es indudablemente una gran obra de arte.

“Tangled” (Enredados) presenta cinco nuevas canciones y una banda sonora de Alan Menken, el compositor de música/canciones ganador de ocho Oscar® (“The Little Mermaid” [La Sirenita], “Beauty and the Beast” [La Bella y la Bestia], “Aladdin”, “Pocahontas” y “Enchanted” [Encantada]). Las letras son de Glenn Slater, nominado a los premios Tony® y Grammy® por su trabajo en “The Little Mermaid” (La Sirenita). “Something that I Want” es una de las canciones de los créditos finales, escrita e interpretada por la cantante de Hollywood Records, Grace Potter.

“Es muy divertido buscar música actual para la película pero conservando siempre esa cualidad de intemporalidad”, dice Menken. “Es genial probar nuevos vocabularios. Una de las primeras cosas que hice fue leer la historia de Rapunzel e intentar imaginar algo nuevo. Algo que tuviese que ver con el pelo y con las ganas que tiene de salir de la torre. Eso me recordó a artistas de folk rock como Joni Mitchell, James Taylor, Cat Stevens y Jackson Browne. Me dio un punto de partida para crear algo nuevo”.

Rapunzel (Mandy Moore) canta la canción de apertura de la película, “When Will My Life Begin?” en la que expresa su inquietud y su deseo de explorar el mundo. Menken afirma: “En cierto sentido, está inmersa en un viaje que desconoce completamente. No sabe que existe el mundo exterior. Es algo que no puede comprender. Así que el reto era crear un deseo por algo que no sabe en qué consiste. Queda perfectamente reflejado en la letra de la canción: ‘Soy muy feliz aquí, pero quiero que mi vida empiece’”.

Moore afirma: “Nos divertimos mucho creando esta canción, pero también fue un verdadero reto porque hay que incluir mucha información en un tiempo cortísimo. No se pueden poner muchas palabras en una sola frase a riesgo de quedarse sin aliento. Es una manera perfecta de sumergirse en la película y en la historia de esta joven. Ella es muy divertida y está llena de vida. La canción ayuda al público a contar quién es el personaje y saber que le gusta su vida. No se siente sola. Sólo dice que le falta algo, pero no acierta a decir de qué se trata”.

Para el gran número musical de Madre Gothel, “Mother Knows Best”, Menken y Slater se inclinaron por un estilo musical más clásico y eterno. Menken afirma: “Tiene un tono muy de ‘Cabaret’. El personaje tiene matices de Ursula de ‘La Sirenita’. Quiere a Rapunzel pero necesita controlarla. En muchos aspectos, Madre Gothel se parece a todas las madres. Es una versión exagerada y la canción expresa cómo asfixia una madre a su hija en su intento de protegerla”.

“Donna Murphy clavó la canción”, añade Conli. “Estábamos en la sesión de grabación totalmente alucinados. Se convirtió en el personaje de Madre Gother aportando todos los matices. Encajaba muy bien en la película y es perfecta para el papel”.

Una de las escenas más entretenidas de “Tangled” (Enredados) es el momento musical en el que Rapunzel y Flynn entran en el pub Snuggly Duckling y se enfrentan a un puñado de malhechores y gente con muy mala pinta. Rapunzel logra desactivar la situación con la canción “I Have a Dream” y en el pub descubre algunas revelaciones sorprendentes.

Menken lo explica: “Para Rapunzel era muy importante encontrar un grupo de personas del que formar parte al principio de su viaje. Flynn intenta asustarla, pero este momento en el punto es absolutamente clave. Cuando escribí la canción quería algo que se puede escuchar en ‘The Mighty Wind’ o una canción interpretada por el Kingston Trio. Tenía que tener un pie en el mundo medieval y el otro en el irónico universo folk de Pete Seeger”.

Otro de los grandes momentos musicales de la película es el dueto “I See the Light” en el que Rapunzel y Flynn empiezan a mirarse de forma diferente y totalmente nueva. Se desarrolla en un barco en el mar, con miles de resplandecientes farolillos que flotan en el cielo alrededor de ellos. La canción es bellísima y también una revelación. “‘I See the Light’ es un momento íntimo y precioso repleto de emoción”, explica Menken. “Es sencilla y tiene algo de folk norteamericano que encaja con el resto de las canciones. Mandy tiene una voz maravillosa y consigue una mezcla de contención, vulnerabilidad y sensualidad. Es una verdadera perfeccionista y trabajó muchísimo para que el resultado fuera impecable. Ella y Rapunzel se funden en una sola voz. Zac tiene una cualidad vocal muy apreciada, la naturalidad. Fue estupendo trabajar con él. No estaba seguro de que pudiera hacerlo, pero lo hizo genial. Los dos han sabido expresar a la perfección ese momento en el que te enamoras y sientes que ambos estáis en la misma burbuja, una burbuja de amor”.

Moore añade: “Me gusta la música y también cantar. Así que formar parte de un proyecto como éste es apasionante porque es una combinación de ambas cosas. Poder grabar con Zac fue fantástico. Cuando abrió la boca me di cuenta de que cantaba muy bien. Tiene una voz preciosa, esa naturalidad que personifica tan bien Disney. Grabamos mucho juntos para conseguir la máxima compenetración.

Creo que la canción es algo muy especial porque es un momento mágico que cuenta la historia desde ambos lados. Es la canción que recordará la gente al salir del cine, porque es un momento maravilloso de la historia”.

“La canción es la culminación del viaje que han emprendido juntos”, dice Levi. “Rapunzel y Flynn ven por fin la luz. Han bajado la guardia y se abren el uno al otro. Es entonces cuando se dan cuenta que están enamorados. Ya no hay prejuicios ni malentendidos. Los dos estamos en la misma onda y la canción lo refleja perfectamente.

“Uno de los mayores alicientes de esta película es cantar una canción de Alan Menken”, continúa diciendo. “Alan es un genio, y hace muchísimo tiempo que admiro su talento, como le ocurre a todo el que conoce su trabajo.”

Menken concluye diciendo: “En esta película gran parte de nuestro proceso de compositores ha sido construir una especie de autopista que nos condujera a ese preciso lugar que buscábamos. ¿Puede existir una colaboración más estrecha? Nuestro reto ha sido encontrar la voz que cuenta la historia cantando”.

Fuente: Walt Disney Studios

Dave Goetz, director artístico y Dan Cooper codirector artístico (junto al diseñador de producción Doug Rogers) se encargaron de crear el aspecto de la película diseñando los ambientes, los elementos arquitectónicos y la paleta de colores. Basándose en lo que había dicho John Lasseter, diseñaron la torre de Rapunzel como si fuera el hotelito más encantador del sur de Francia”. ¿Sus razones? Justificar por qué Rapunzel, siendo tan lista, no se había escapado antes de cumplir los 18 años. Así que la torre tenía que ser un lugar muy acogedor. El equipo artístico creó platós generados por ordenador que fueran originales y de gran belleza. Se inspiraron en la forma en S de “Cenicienta” y en las voluminosas proporciones de “Pinocho”, que dan un toque sugestivo y cálido. Goetz utilizó una paleta de colores saturados para crear esa realidad tan intensificada que querían los realizadores.

“La totalidad del concepto de diseño está basado en las curvas en S y en formas muy fluidas”, explica Goetz. “Byron y Nathan querían llevar el estilo clásico de Disney a una película generada por ordenador. Si nos fijamos en ‘Cenicienta’, todo es grácil, y casi todo proviene de un banco de formas que está hecho de combinaciones de curvas en S. Todo está imbuido de suavidad. No hay ángulos. Así que había que eliminar todo lo que tuviese un aspecto demasiado literal y que pareciese hecho a mano y no muy perfecto. Hemos estilizado las cosas para que las formas fueran gráciles y permitiesen al espectador escapar de la vida real. Pero al mismo tiempo todo esto existen en un universo que es creíble con texturas, iluminación y ambientes realistas”.

Cooper añade: “Estamos traduciendo el estilo clásico de Disney en algo que está generado por ordenador y el resultado es algo totalmente nuevo. El aspecto ha pasado por el filtro de la estética de Dave. Los directores querían explorar este aspecto, y Dave es el cabecilla que lo analiza y lo incorpora a este nuevo medio”.

“Queríamos inventar un mundo creíble, aunque con una realidad exagerada”, añade Greno. “Queremos que el público sienta que es un lugar donde ellos mismos podrían estar, pero que es más bonito que el mundo real. Es un sitio imaginario muy real”.

Crear la torre de Rapunzel fue la tarea que llevó más tiempo y la que cambió menos durante el transcurso de la producción.

“Lo importante es que la torre resultase atractiva”, dice Goetz. “Se encuentra en un valle precioso, y Rapunzel ha vivido allí feliz pero aislada. Pinta en las paredes y reproduce la vida que ve a su alrededor. El mural es su diario, con comentarios sobre su vida. Ve el mundo, lo traduce y eso se refleja en alguna parte del mural”.

Los coloridos murales los diseñó Claire Keane (hija de Glen Keane), que aportó su talento y su imaginación.

“Empecé el proceso de creación del mural estudiando dibujos medievales y también la forma en la que algunos artistas relacionan los objetos”, explica Keane. “Quería encontrar un nuevo lenguaje en su forma de pintar las paredes. El mural no sólo tiene funciones decorativas sino que expresa sus deseos y emociones subconscientes. Ella se pasa la vida cantando con los pájaros y regando las plantas. Le gustan las plantas porque ella viene de una flor.

También introduje el factor del paso del tiempo. Se reconoce el otoño, el invierno, la primavera y el verano. También hay marcas que nos dicen lo que ha crecido con el paso de los años”.

Glen Keane afirma: “Claire tiene algo del personaje de Rapunzel. Es indomable, el adjetivo que mejor define a Rapunzel. Cuando Claire tenía 18 meses, puse lápices y papel en su cuna e hizo un dibujo de su madre. Lo hizo todo al revés, pero tiene la barbilla de Linda, su nariz respingona, sus ojos, su peinado y sus pendientes. Siempre estaba preguntando si podía pintar los techos”.

Al crear el pub Snuggly Duckling, una especie de bar de moteros medievales. Flynn lleva allí a Rapunzel para asustarla y que regrese a casa. Goetz estudió muchos pubs ingleses e hizo un viaje a la famosa taberna de Oakland que data de finales de los años 1800.

“El pub es el plató más divertido de la película. Y es muy posible que acabe recreándose algún día en un parque temático de Disney”, dice Goetz. “John Lasseter me sugirió que visitase Jack London Bar en Jack London Square. Cuando entras en el bar todo el suelo se inclina. Hay cosas colgando del techo, incluyendo cientos de sombreros y las paredes están cubiertas de fotografías y recortes de prensa. Fue una excelente fuente de inspiración. Nuestro pub tiene armaduras colgando del techo y carteles de los ‘Más buscados’ por todo el local.”

En el castillo del rey y la reina de “Tangled” (Enredados), Goetz y su equipo querían crear algo que no se pareciera nada a los anteriores castillos de Disney. Buscaron arquitectura de casi todos los países europeos, incluyendo España, Italia, Portugal, Alemania, Francia y la República Checa.

“Nos inspiramos en los castillos daneses”, recuerda Goetz. “Las bóvedas con juntas de cobre tenían un aspecto muy original y parecían encajar en el estilo de nuestra película. El castillo no es un rascacielos enorme. Tiene una escala más humana. Estudiamos qué área de la dirección artística podíamos ajustar para que la película fuera más atractiva. Y eran la escala, el color y la calidez. La arquitectura no es un elemento hostil, las formas son redondeadas y un poco estrambóticas”.

Otra clave de la película es el bosque. Goetz manipuló la paleta de colores y utilizar un estilo hiperrealista para crear un ambiente más atractivo. “Los directores dieron instrucciones muy precisas sobre el diseño de los árboles y del bosque”, dijo. “La naturaleza de las formas es el elemento que las hace atractivas. Cuando Flynn es perseguido por los guardias del Rey y por Max, se adentra entre esos enormes árboles y tiene que abrirse camino. Pero Nathan y Byron no querían que pareciera espeluznante y diera miedo, sino que el bosque transmitiera una sensación misteriosa y más salvaje. Utilizamos el diseño de las formas, la iluminación y el color para dar un tono más ligero y no tan agobiante”.

Doug Rogers añade: “Queríamos árboles de hoja caduca, no bosques de pinos, debido a las formas. Queríamos árboles con formas suaves. Una vez que creamos los árboles pudimos diseñar las copas. ¿Qué hace interesante a un árbol? Las raíces, la corteza, la estructura de las ramas. Todos nuestros árboles están dotados de personalidad y actitud. Los alineamos en diferentes formaciones.

Teníamos un catálogo de árboles, y en las imágenes generadas por ordenador, siempre tienes la posibilidad de cambiar la cámara dentro del mismo plató, y llegar a descubrir algo mejor”.

Fuente: Walt Disney Studios

Además del impresionante uso de la tecnología para avanzar en el arte de la animación, “Tangled” (Enredados) reunió a un grupo de fantásticos talentos técnicos para crear el impacto visual y la deslumbrante belleza que habían imaginado los realizadores.

El supervisor de efectos visuales Steve Goldberg, un veterano con 20 años en Disney, se encargó de supervisar a los equipos que crearon el aspecto, los entornos y los efectos de la película. “Llegué a Disney con el convencimiento de que si el arte y el talento que existen aquí en el estudio podían aplicarse al medio de la animación por ordenador, el resultado sería único y extraordinario”, dice Goldberg. 

“Disney siempre ha contado con los mejores artistas de la industria y un legado para hacer animación de cinco estrellas. Y estoy convencido que ‘Tangled’ (Enredados) es la expresión perfecta de todo ese potencial. Con grandes artistas como Glen Keane, Dave Goetz y Dan Cooper en la cúspide de sus carreras, la magnífica dirección de Nathan y Byron, y la asombrosa maestría en técnicas digitales que atesora el estudio y que es mayor con cada película, Disney ha creado algo absolutamente especial con esta película.

“Con ‘Tangled’ (Enredados) quisimos superar todas las limitaciones y prejuicios sobre lo que es difícil y materializar la visión de los realizadores y directores artísticos”, añade. “Con las técnicas generadas por ordenador, lo fácil y lo difícil es tremendamente variable. En una película puede haber algo que parece imposible y que se resuelve fácilmente en la siguiente. La tecnología evoluciona muy rápidamente y en la siguiente película vamos aplicando lo que aprendimos en las anteriores”.

El supervisor de efectos generados por ordenador, Jesús Canal encabezó un equipo que se hizo cargo de los aspectos del desarrollo y diseño de los personajes, de las maquetas y el montaje. Su grupo también se encargó de simular el movimiento del pelo y de la ropa en las escenas que no exigían que los animadores hicieran ajustes individuales. “Simular la ropa de Rapunzel y de Madre Gothel fue un auténtico reto en esta película”, cuenta Canal. “Rapunzel lleva tres capas de ropa, lo que significa que se produce un roce entre las diferentes capas. Lleva una enagua, encima una falda y un corsé con mangas abullonadas. 

Madre Gothel lleva un vestido y una capa con capucha. Para los directores era muy importante que las mangas fueran largas para que pareciera que la madre asfixia simbólicamente a Rapunzel cada vez que la abraza”.

Para Michael Kaschalk y su equipo, el reto consistió en crear uno de los efectos más complejos y complicados que se ha visto en animación generada por ordenador. Entre estos efectos está el resplandor que adopta el pelo de Rapunzel cuando aplica sus propiedades curativas, un cielo repleto de farolillos con luz de velas, aguas embravecidas y grandes masas de espectadores.

CUIDADO CON LAS INUNDACIONES

Una de las escenas con efectos más impresionantes se desarrolla en un pozo minero mientras Rapunzel y Flynn escapan de sus perseguidores en una rápida retirada de la taberna a la caverna. Estalla una presa y las aguas inundan la zona creando una escena de gran dramatismo. El equipo de efectos estudió la atracción Grizzly River Run que se encuentra en el Parque Temático de Aventuras de Disney en Anaheim, California, en busca de inspiración. Querían saber cómo se filtra el agua a través de la desvencijada presa de madera que estalla en la película.

“Nunca habíamos hecho agua a una escala parecida”, dice Kaschalk. “Hay 87 millones de litros de agua virtual generada por ordenador que se vierten cuando la presa se derrumba, junto con cientos de trozos de tablones y madera saltando por todas partes. La secuencia tiene que ser lo más dramática posible y para conseguirlo creamos docenas de fuentes de agua de mentira para filmarlas fuera de la pantalla”.

LUCES VOLANDO

Crear un cielo repleto de farolillos para la escena capital de la película que acompaña a la canción “I See the Light” fue otro gran reto que tuvo que superar el equipo de efectos. John Ripa, artista de historia, tuvo la idea de este espectáculo además de algo que John Lasseter había experimentado personalmente.

Greno lo explica: “Nos estábamos dando golpes en la mesa intentando imaginar qué haría que Rapunzel saliera de la torre. Hablamos de fuegos artificiales o de algo que ella pudiese ver desde la distancia. Y entonces John Ripa tuvo la idea de esos farolillos flotando”.

“Había leído sobre esas ceremonias con farolillos que celebran en Indonesia y el Lejano Oriente. En realidad son farolillos hechos con papel de arroz con una vela dentro y los echan a volar”, añade Howard. “Hay decenas de miles de ellas y el resultado es espectacular. Cuando se lo contamos a John Lasseter, nos dijo: ‘Sí, yo ha he hecho eso’. Él y su mujer, Nancy, habían estado en Indonesia y habían lanzado uno de esos farolillos en una ceremonia. Sabía exactamente de lo que estábamos hablando y dijo: ‘Hay que hacerlo. Será espectacular’.”

Kaschalk lo cuenta así: “Buscamos material de Tailandia e investigamos muchísimo a qué rapidez volaban los farolillos, cuántos se solían soltar y cómo podríamos reproducirlo en nuestra gigantesca escena. Nos basamos en el enfoque de líneas que fluyen para recrear los movimientos de los farolillos. Pero no sólo fluyen haciendo un movimiento curvo, sino entre ellos. Los farolillos bailan entre ellos formando espirales. Esos movimientos simbolizan armonía y transmiten la idea del amor”.

El equipo de efectos creó un grupo de 14 farolillos de diferentes formas y colores. Se colocó una llama de 10.000 micropuntos de luz en cada uno, y se duplicaron los farolillos hasta alcanzar una cifra máxima de 46.000 en una de las escenas cumbre de la película.

“A medida que Rapunzel se pierde en su ensoñación, los farolillos se dispersan, se hacen más difusos, más brillantes y se multiplica su número”, añade Kaschalk. “Al principio de la escena, el mar tiene olas y textura, pero a medida que avanza, se alisa y se convierte casi en un espejo.

De esa forma los farolillos se reflejan y da la impresión de que los dos están volando en su góndola rodeados de un universo cuajado de farolillos”.

El director artístico Dave Goetz dice: “La secuencia de los farolillos es la culminación de su historia de amor. La película pasa de ser una comedia romántica en la que los dos protagonistas están siempre de uñas (aunque de una forma muy divertida) a una auténtica historia de amor. Además, ha alcanzado la meta de su vida que era saber lo que son los farolillos. Queríamos que esta escena fuera romántica y que irradiara una gran belleza”.

PASO A LAS MASAS

Antes del lanzamiento de los farolillos, miles de personas se reúnen en el patio del rey para contemplar el espectáculo. El equipo de efectos creó una muchedumbre digital de 3.000 personas para poblar la zona. Es la mayor multitud de personas que ha creado Disney en una película de animación hasta la fecha. Esto se consiguió eligiendo a 40 personajes, vistiéndolos y pintándolos de forma diferente, modificando rasgos como la barba, y multiplicándolos de forma aleatoria durante toda la escena.

ILUMINACIÓN CÁLIDA

Otro departamento que contribuyó a que la película resplandeciera fue el de iluminación, bajo la supervisión de Mohit Kallianpur. Kallianpur también supervisó los departamentos de desarrollo de aspecto y efectos de la película. “En esta película nuestra meta era hacer que la iluminación fuera brillante, alegre y transmitiera una sensación de felicidad”, dice Kallianpur. “Lasseter y el grupo artístico quería que fuera como la luz de la Provenza o de la Toscana para que la gente viera las imágenes y quisiera irse allí de vacaciones. La iluminación es suave y cálida en casi toda la película. Hay muchas luces que rebotan por todas partes, y fenómenos atmosféricos que añaden profundidad. Utilizamos un montón de colores saturados, con un buen equilibrio entre los tonos cálidos y fríos. La torre de Rapunzel es un escenario muy importante de la película, y la vemos en diferentes circunstancias. La iluminación nos sirvió para crear estados de ánimo que añaden impacto emocional a la historia”.

Una de las tareas más difíciles del departamento de iluminación fue el interior del pub Snuggly Duckling. Cuando Rapunzel y Flynn llegan allí, la iluminación es muy fuerte e intimidante. Pero cuando empiezan a cantar, la iluminación se hace muy teatral y se acompaña con focos. La luz durante la canción de Madre Gother llamada “Mother Knows Best” también utiliza una luz muy teatral.

Fuente: Walt Disney Studios

Glen Keane posee un talento especial para el arte y la tecnología y llevaba mucho tiempo deseando aunar ambas cosas. Así que “Tangled” (Enredados) fue una magnífica oportunidad para él. “No estaba buscando un avance técnico en particular. Lo que quería era materializar esa idea de dibujo escultural”, dice Keane. “Si tuviera que acuñar una frase para definir lo que hago, sería dibujo escultural. Cada vez que animo algo, es como si intentara probar que no se trata de un dibujo plano. ¡Cada vez que tengo una oportunidad, muevo al personaje y enseño su espalda! Sombreo mis dibujos para que parezcan más reales. La técnica de animación por ordenador sigue siendo única para dar profundidad y dimensión. Pero a mí me gusta dibujar. ‘Tangled’ (Enredados) nos ha dado la oportunidad de preguntarnos: ‘¿Qué es el dibujo?’”

Para ayudar a Keane y a sus compañeros realizadores a contestar a esa pregunta, se convocó una reunión llamada: “Lo mejor de ambos mundos”. En un lado de la habitación, se reunieron los mejores ejemplos de la animación generada por ordenador. En la otra, lo mejor de la animación dibujada a mano.

“El dibujo a mano tenía ese aspecto orgánico, intuitivo que aporta belleza estética a las líneas y al diseño, y lo hace de forma natural”, afirma Keane. “La animación por ordenador tenía dimensión y credibilidad. Tenía muchas más posibilidades de texturas. Nos dividimos en pequeños grupos e hicimos brainstorming para averiguar la mejor manera de hacer nuestra película. Y muchas de las conclusiones de esas reuniones fueron los cimientos de ‘Tangled’ (Enredados). Gracias a su formación de dibujantes, Byron y Nathan supusieron un apoyo importantísimo”.

Keane afirma: “Estoy orgullosísimo del nivel de los artistas que han trabajado en la película. La maestría artística de esta película es la mejor que se ha visto jamás en animación generada por ordenador”.

Hace mucho que la historia de Rapunzel ha fascinado a los magistrales cuentacuentos de Disney; la historia la fue desarrollando desde los años 40 el propio Walt Disney. Los directores Byron Howard y Nathan Greno ayudaron a trasladar “Tangled” (Enredados) a la gran pantalla.

Howard lo recuerda: “Nathan estaba trabajando en el guión antes de que nos convirtiéramos en los directores y vislumbró algo muy interesante en Rapunzel. Así que empezamos a hablar del personaje. Nos preguntamos: ‘¿Quién es este personaje y cómo podemos sacarla lo antes posible de la torre?’ Sabíamos que ella era el motor de toda la historia y si se quedaba todo el tiempo encerrada en esa habitación, no conseguiríamos nada. Y esa fue la clave para construir el personaje”.

“Queríamos convertirla en un personaje más dinámico, y eso significaba que tenía que haber un contrapeso”, añade Greno. “Necesitaba a alguien que fuera su igual, un personaje que pudiera dar la réplica a esta inteligente y extravagante chica. Es muy inteligente pero no sabe nada del mundo. Tiene una visión limitada del mundo y no tiene ni idea de lo que ocurre ahí fuera. Quiere saber lo que son esas luces que flotan en la lejanía. Y ahí es cuándo entra Flynn Rider. Es el tipo más viajado y más listo del barrio. Está de vuelta de todo y sabe cómo funciona el mundo. A lo largo de la película aprenderán a complementarse”.

El director de historia Mark Kennedy y el guionista Dan Fogelman (“Bolt”, “Cars”) ayudaron a los realizadores a dar forma a su historia. La película tomó un nuevo rumbo con Howard y Greno y con algunas significativas aportaciones de John Lasseter. Así fue como se convirtió en un apasionante cuento con dos personajes que viven una intrépida aventura.

Mark Kennedy recuerda: “John quería que la película enamorara al público. Para él siempre fue muy importante que Rapunzel tuviera una personalidad fuerte y que su vida en la torre no fuera desagradable ni aterradora. Nos explicó que es era la hija de un rey y una reina, y que por lo tanto tenía que ser alguien valiente por naturaleza. Así que nos pusimos a trabajar en personajes que fueran divertidos e interesantes y que lograran atraer la atención del público”.

“Desde el principio, Nathan y Byron tenían una idea muy clara de lo que querían hacer con la historia”, añade Fogelman. “Querían contar una historia clásica de Disney de una forma totalmente nueva que encajara con el estilo de la animación generada por ordenador. Querían que la comedia y los personajes tuvieran una sensibilidad del siglo XXI pero conservando muchos de los elementos que el público quiere ver en las películas de Disney. La clave estaba en encontrar un buen equilibrio.

“Dar con la voz y el tono adecuado para Flynn, y hacer que fuera entretenido, fue el mayor reto”, añade. “El personaje está espectacular cuando se dedica a sus juegos mentales con otros. A él le encantan. Es el tipo de personaje que se divierte dándole vuelta a las palabras aunque a los demás no les parezca tan gracioso. Tiene algo de Cary Grant. En el fondo, es un alma perdida que no sabe lo que quiere ni quién es en realidad”.

Howard añade: “A medida que avanza la historia, la película se centra en Rapunzel y Flynn. Es una cinta sobre estas dos personas tan diferentes y sobre la asombrosa química que se produce entre ellos. Y gracias a eso crecen y se convierten en mejores personas”.

“Rapunzel era un personaje tan interesante que teníamos que inventarnos más cosas positivas sobre Flynn para que estuviera a su altura”, añade Greno. “Y a veces conseguía ser más interesante que ella, así que teníamos que encontrar un equilibrio. Pero gracias a este proceso ambos se convirtieron en personajes muy potentes. Está claro que esta película no funciona sin Rapunzel, pero tampoco funciona si quitas a Flynn Rider de la ecuación. Necesitamos a ambos personajes para que la maquinaria funcionase”.

“Intentamos que Flynn Rider fuera el personaje masculino más atractivo que Disney había hecho jamás”, dice Howard. “Investigamos muchísimo. Todas las damas del estudio venían a la ‘Reunión del hombre cañón’, en la que recopilamos fotos de los hombres más guapos. Cogimos fotos de Internet, de libros y también de las carteras femeninas. Ellas sabían muy bien lo que les gustaba y lo que no les gustaba”.

Greno añade: “Las mujeres venían y puntuaban las fotos”.

“Todo el mundo estaba destrozado. Bueno, no se puede tener todo”, dice Howard. “Era bastante complicado ser un hombre en esa reunión. Te sentías falta. Pero intentamos procesar toda esa información para convertirla en un personaje irresistiblemente guapo y atractivo”.

“Creamos el hombre perfecto”, dice Greno.

Al final, Greno ejerció una gran influencia sobre el personaje. “Nueve de cada diez veces, cuando necesitábamos decidir algo sobre interpretación en los dailies, Nathan era el primero en dar su opinión”, dice Howard. “El personaje se le dio muy bien desde el principio. Cuando Zachary Levi se incorporó, añadió otra capa. Y cogíamos todo eso y lo incorporábamos a los storyboards y volvíamos a escribir el guión. Cuando alguien comprende tan bien a un personaje, el trabajo está prácticamente hecho”.

El productor Conli añade: “Lo más asombroso de esta película ha sido trabajar con Nathan y Byron. Llegaron con una historia que había que reescribir, reinventar. Y lograron darle la vuelta con gran rapidez y convertirla en algo realmente excepcional. La habilidad innata que tiene Nathan para contar una historia y el sentido del entretenimiento y la animación de Byron hizo de ellos la pareja idea para dirigir ‘Tangled’ (Enredados)”.

Entendieron perfectamente los personajes y lograron representarlos y comunicarlos increíblemente bien al resto del equipo. Fue muy divertido y satisfactorio trabajo con realizadores tan jóvenes y con tanto talento”.

Walt Disney Pictures presenta “Tangled” (Enredados), una de las historias más divertidas y descabelladas jamás contada. Cuando Flynn Rider (voz en inglés de Zachary Levi), el más buscado -y encantador- bandido del reino, se esconde en una misteriosa torre, Rapunzel (voz en inglés de Mandy Moore) le toma como rehén. Rapunzel es una bella y vivaz adolescente con una cabellera dorada de 21 metros, encerrada en la torre. La singular secuestradora de Flynn, que busca la forma de escapar del encierro donde ha permanecido durante años, hace un pacto con el atractivo ladrón. Así es como la pareja inicia un periplo lleno de acción, con un caballo súper-policía (llamado Maximus), un camaleón superprotector (llamado Pascal), y una pandilla de malencarados matones de bar.

Donnay Murphy, dos veces ganadora de un Premio Emmy®, presta su voz a Madre Gothel. Ron Perlman presta su voz al Hermano Stabbington, uno de los socios de Flynn en sus andanzas delictivas, y Jeffrey Tambor y Brad Garrett ponen voz a dos de los matones que Flynn y Rapunzel encuentran en su camino.

“‘Tangled’ (Enredados) está repleta de personajes divertidísimos, aunque también hay acción y muchos sentimientos”, dice John Lasseter, Consejero Delegado Creativo de Walt Disney y Pixar Animation Studios. “Queríamos crear un mundo y una historia únicos que evocasen esa emoción, esa riqueza dramática que caracteriza a Disney, pero que también tuvieran frescura y humor para ofrecer al público algo que nunca ha visto en la animación por ordenador. Los realizadores han creado un mundo que recoge el legado de Disney pero que nos transporta a un lugar que es totalmente nuevo”.

El productor Roy Conli añade: “Es una historia maravillosa sobre dos personas que todavía no saben lo que son y que descubren su destino a lo largo de la película. Queríamos romper con algunos de los estereotipos que se habían hecho antes. Flynn es un tipo que está de vuelta y que lo ha visto todo. Rapunzel es una chica protegida, inocente pero muy lista, que no está de vuelta y ¡que no ha visto nada!  El la lleva a un lugar donde puede averiguar quién es, y ella le lleva a un lugar donde puede enmendar algunos de los errores que ha cometido en la vida. Juntos, rellenan los espacios vacíos que tienen en sus vidas”.

Lasseter recurrió a dos de los talentos más prestigiosos del estudio para pilotar la película de animación nº50 de Disney. Se encargó a Byron Howard y Nathan Greno, dos de las estrellas con más futuro en el sector del cine animado del cine animado, que crearan una película que estuviera a la altura de los clásicos animados de Disney, pero cuyo dinamismo atrajera al público de hoy en día. Y Lasseter, dos veces ganador de los Premios de la Academia® (“Toy Story”, “Tin Toy”) con créditos como realizador de la talla de “A Bug’s Life” (Bichos, una aventura en miniatura) y “Cars”, afirma que lo han conseguido. “Son algunos de los jóvenes directores con más talento que he conocido en toda mi vida”, comenta. “Tiene un sentido fantástico de la narración, pero una de las cosas que más me gustan de ellos es su sentido del humor. Y comprenden perfectamente lo que como convierte una película de Disney en una película de Disney: los sentimientos. Walt Disney siempre decía que ‘para cada risa debe haber una lágrima’. Tienen una visión fresca y contemporánea de lo que tiene que ser genuinamente Disney.

“Es un clásico animado de Disney, pero también es una película en 3D animada por ordenador”, añade Lasseter, “así que no se parece a nada de lo que hemos hecho hasta ahora”.

Howard dirigió “Bolt” de Walt Disney Animation Studios, la comedia de aventuras animada de 2008 que recaudó más de 300 millones de dólares en todo el mundo y que recibió dos nominaciones a los Globos de Oro® (Mejor Película Animada y Mejor Canción Original), así como una nominación al Oscar® a la Mejor Película de Animación. Greno, un veterano de la animación de Disney desde hace 14 años, trabajó como director de historia en “Bolt”, y entre sus trabajos de guionistas también está “Mulan” (Mulán), “Brother Bear” (Hermano Oso) y “Meet the Robinsons” (Descubriendo a los Robinson).

“Tangled” (Enredados) tiene un increíble reparto de personajes animales y humanos tremendamente atractivos, además de escenarios fantásticos que van de castillos a torres pasando por bosques y pubs, y unos efectos visuales espectaculares incluyendo una maravillosa escena con 46.000 deslumbrantes faroles. La película es una comedia contemporánea para públicos de todas las edades y también un paso de gigante en el plano técnico y artístico para Walt Disney Animation Studios y para el arte de la animación generada por ordenador.

“Puede que el público sepa lo que puede esperar de una película en la que sale Rapunzel”, dice Greno. “Pero lo hemos dado totalmente la vuelta para hacer una cinta que sea atractiva, fresca y diferente. A Byron y a mí nos encantan las películas clásicas de Disney, y queríamos recuperar ese look retro y tan bonito de los años cincuenta, y mezclarlo con una narración contemporánea, con el ritmo, la acción y el humor del cine actual. Es como colocar una nueva capa a este tipo de historia”.

Howard añade: “La escala de esta película es gigantesca—con persecuciones a caballo, luchas con espadas, fugas e inundaciones. La historia nos permitió integrar las virtudes y alicientes del cine actual en una historia clásica.

“Además, contamos con el Dan Fogelman, un guionista increíblemente inteligente y divertido”, continúa diciendo Howard. “Insufló vida en Flynn, y le dio a Rapunzel ese ingenio tan atractivo. A Gothel le otorgó un maravilloso humor sarcástico. No hubiéramos podido hacerlo sin él”.

Los realizadores están convencidos de haber creado unos personajes fantásticos. “Los personajes se adueñan de la pantalla”, dice Lasseter.

Es cierto que RAPUNZEL lleva toda su vida encerrada en una torre oculta, pero no tiene nada de una dama en apuros. La chica de la cabellera dorada de 21 metros ha dejado atrás su aislamiento y está lista para vivir aventuras. Cuando un atractivo ladrón busca refugio en su torre, hace el negocio de su vida. Abandona la torre para vivir un sinfín de aventuras divertidas y emocionantes que desenredarán muchos secretos. Mandy Moore, que prestó su voz a Rapunzel, afirma: “Sabía que Disney le daría su toque especial a la historia. Es increíblemente divertida y muy tierna. Rapunzel es una joven que acaba de convertirse en adulta. Es muy apasionada, creativa y está deseando descubrir el mundo. Está abierta a todo lo que le depare la vida y lleva la aventura en sus venas. La película versa sobre el poder de las mujeres… ella es mucho más fuerte de lo que cree”.

FLYNN RIDER rebosa confianza en sí mismo, y su ingenio, su encanto y su atractivo siempre le han sacado de las situaciones más inverosímiles. Flynn es un ladrón que busca dar ese último golpe que le permita tener la vida con la que siempre ha soñado. Y está a punto de conseguirlo cuando conoce a Rapunzel, una extraña chica con una melena kilométrica. Flynn vivirá la aventura de su vida al tejer una ‘descabellada’ alianza con la joven de la torre. “Es un bandido muy guapo”, dice Zachary Levi, que presta su voz a Flynn. Y añade: “Pero me gusta cómo le han dado la vuelta. Es un ladrón egoísta pero al mismo tiempo es un tipo irresistible. La comedia es un elemento fundamental de esta película, que es muy divertida.

Es controladora, manipuladora y superprotectora, pero MADRE GOTHEL es la única madre que ha conocido Rapunzel. Gothel raptó a Rapunzel cuando era niña y la crió en la torre. Se aseguró de ser la única en tener acceso a la cabellera mágica de Rapunzel que utiliza como fuente personal de juventud. Donna Murphy, la galardonada actriz de teatro, es la voz de Gothel. Lasseter afirma: “Me encantan las historias con un buen villano y ‘Tangled’ (Enredados) tiene uno genial llamado Madre Gothel. Es muy teatral y tremendamente divertida. Ella es muy especial, uno de los mejores villanos que hemos creado jamás”.

Para MAXIMUS, el caballo del Capitán de la Guardia, capturar a Flynn Rider, el ladrón más buscado, es la misión de su vida. El caballo no tiene miedo a nada y corre todo tipo de peligros para seguir a Flynn a lugares donde nadie quiere ir. Nada parece interponerse en el camino de este ‘poli duro’. Pero cuando Maximus conoce a Rapunzel el corazón se le reblandece y empieza a ver el mundo desde otra perspectiva. Lo que empezó como una persecución implacable va camino de convertirse en una maravillosa amistad. El caballo, cuyo comportamiento se parece más al de un perro, se adueña de la pantalla, tal y como afirman los realizadores. “Es un caballo animado que no se había visto nunca”, dice Greno. “Es totalmente diferente y muy ingenioso”.

El único amigo de verdad que tiene Rapunzel es su silencioso colega PASCAL, que cambia de color. Pascal sólo es un pequeño camaleón, pero cuenta mucho en la vida de Rapunzel. Pascal hace al mismo tiempo de confidente, entrenador y cheerleader. Empuja a Rapunzel a abandonar su solitaria torre. Este compañero que presta apoyo y aliento podría tener la clave de un misterio regio.

APROVECHANDO LA TRADICIÓN DE LA ANIMACIÓN

Detrás de la narración de “Tangled” (Enredados), el diseño de personajes y las expresivas y matizadas animaciones está el genio y la inspiración de Glen Keane, un veterano con un historial de 35 años en Disney y que está considerado uno de los maestros modernos del género.

“En Disney tenemos animadores de muchísimo talento”, dice Greno. Y añade: “Y tenemos a Glen, que está transmitiendo los conocimientos y la tradición que atesora a la siguiente generación de animadores. Tenemos algo que no tiene ningún otro estudio: un legado”.

A lo largo de su ilustre carrera, Keane, que es uno de los productores ejecutivos de “Tangled” (Enredados), ha creado y supervisado personajes tan inolvidables como el Profesor Ratigan (“Basil, el ratón superdective”), Ariel (“La Sirenita”), Marahute (“Los Rescatadores en Cangurolandia”), la Bestia, Aladdin, Pocahontas, Tarzán y John Silver (“El planeta del tesoro”), entre otros. En “Tangled” (Enredados) ha sido supervisor de animación (junto con John Kahrs y Clay Kaytis) y trabajó estrechamente con todo el equipo de animación para elevar el listón de la animación humana en el mundo de la animación generada por ordenador.

“Cuando John (Lasseter) y yo vimos algunos de los primeros tests de ‘Tron’ de 1981, nos quedamos maravillados con la posibilidad de internarnos en ese mundo”, recuerda Keane. “No habíamos visto nunca nada parecido así que enseguida empezamos a hablar de hacer una prueba. Trabajamos con los fondos y descubrí que cada vez que la animación generada por ordenador se cruza con la que se dibuja a mano, te obliga a dibujar mejor. Años después, todo lo que John estaba haciendo en Pixar nos recordó que en la animación generada por ordenador podemos movernos con total libertad en el espacio y alrededor de los personajes. En ‘Tarzán’ trabajé con especialistas técnicos para añadir dimensión al personaje que se desliza entre los árboles en un entorno en 2D. Cuando estoy animando algo, lo veo más como un dibujo escultural”.

Cuando Lasseter tomó las riendas creativas de Disney en 2006, la pregunta era si debían hacer “Tangled” (Enredados) en formato de animación generada por ordenador o dibujada a mano. Keane afirma: “Pensé en el pelo, en iluminar el pelo, la tela, las texturas de la piel. Así que seguí por ese camino, teniendo siempre en cuenta los principios sobre la personalidad y la sinceridad de Ollie (Johnston) y Frank (Thomas). Esos son los verdaderos cimientos”.

Howard añade: “En esta película, la animación humana no se parece a nada de lo visto hasta ahora. Y no me estoy echando flores porque creo que ambos estamos muy orgullosos de lo que han logrado los animadores. Si nos fijamos en películas como “Ratatouille” y “Los Increíbles”. Los niveles de sutileza de esas películas pusieron el listón muy alto. Y necesitábamos seguir subiendo el listón. Y los animadores estuvieron a la altura de la misión, con pequeñas micro-animaciones en los párpados inferiores de los ojos, diminutos movimientos de ojos que recogen todo ese fantástico subtexto que tiene la película y que es importantísimo para la historia”.

Los avances tecnológicos permitieron a directores y animadores trabajar juntos en el aspecto de la película como nunca habían hecho antes. De hecho, Keane podía pintar encima de un fotograma durante los dailies. “Byron y Nathan son unos actores inmensos”, dice Keane. “Actuaban para los animadores, intercambiaban ideas, trabajando juntos. Byron interpretaba a Flynn y Nathan hacía de Rapunzel, o viceversa. Podía acelerar, retroceder, congelar y también dibujar encima”.

LA MAGIA ESTÁ EN EL AIRE

La clave del éxito de la película era encontrar un forma de animar el pelo de Rapunzel y hacerlo creíble, orgánico y que los realizadores y animadores hicieran con él todo lo que necesitaban hacer.

Keane es uno de los mayores especialistas a la hora de animar cabellos. “Si te fijas en mis personajes, sus problemas siempre tienen que ver con sus cabellos”, observa Keane. “Ariel siempre está flotando en una nube de pelo rojo. Quiere decir que esta chica vive en un mundo pero quiere estar ahí arriba en otro. En el caso de la Bestia, su pelo hace alusión a su pelaje. Es un animal y le cubre todo el cuerpo. El viento siempre está agitando el pelo de Pocahontas. Esta peculiaridad representa su lado espiritual, y su lucha por comunicar la invisible naturaleza espiritual del Nuevo Mundo a aquellos que sólo ven el oro que esconde. Las raíces de Tarzán eran las de Lord Greystroke. Pertenece a la aristocracia, pero ahora lleva unas melenas que no han visto nunca un peine. El pelo define su problema: ¿es un ser humano o un animal? En el caso de Rapunzel, su pelo nos recuerda constantemente que tiene un potencial increíble. Nació para regir los destinos de un reino, pero está confinada en un estrecho reducto. Parece que cuando más la sujetas más necesita liberarse. Incluso su pelo intenta salirse”.

Steve Goldberg, supervisor de efectos visuales, Jesús Canal, supervisor de animación generada por ordenador, y un equipo técnico de especialistas en pelo (encabezado por Xinman Zhao y Kelly Ward), se encargaron de encontrar una forma de dar vida al pelo de Rapunzel. Desarrollaron un nuevo software (llamado Dynamic Wires) y nuevas técnicas para llevar a cabo las ambiciosas ideas de Keane sobre la animación del pelo.

“Glen convocó reuniones y nos dio directrices específicas para asegurarse de que el pelo de Rapunzel siempre estuviera fantástico, atractivo y natural”, dice Canal. “No quería que el pelo cayera haciendo una línea recta ya que eso resultaba muy soso. Debía tener volumen, ondas sensuales, mechones marcados y un remolino muy característico en la frente. Tuvimos que colocar y simular el pelo en cada plano siguiendo esas directrices. El equipo técnico animó 147 tubos que representaban la estructura del pelo, de la que saldría una imagen individual con más de 140.000 cabellos”.

CREANDO EL ESCENARIO

Dave Goetz, director artístico, Dan Cooper, codirector artístico y Doug Rogers, diseñador de producción, se encargaron de crear el aspecto de la película diseñado los ambientes, los elementos arquitectónicos y la paleta de colores. Basándose en lo que había dicho Lasseter, diseñaron la torre de Rapunzel como si fuera el hotelito más encantador del sur de Francia”. Necesitaban justificar por qué Rapunzel, siendo tan lista, no se había escapado antes de cumplir los 18 años. Así que el sitio tenía que ser muy acogedor. Para diseñar el castillo del Rey y la Reina, el equipo estudió casi todos los de Europa antes de decidirse por un estilo de influencia danesa con cúpulas en forma de cebolla recubiertas de cobre y tejados con ornamentos. El equipo artístico creó platós generados por ordenador que fueran originales y de gran belleza. Se inspiraron en la forma en S de “Cenicienta” y en las voluminosas proporciones de “Pinocho”, que dan un toque sugestivo y simpático. Goetz utilizó una paleta de colores saturados para crear esa realidad tan intensificada que querían los realizadores.

Para los coloridos murales que componen las paredes de la torre de Rapunzel, Claire Keane (hermana de Glen) hizo gala de su talento e imaginación. Rapunzel va documentando las cosas que descubre a lo largo de los años y utiliza estos murales para expresar sus sentimientos y sus deseos. Se pinta a sí misma y reproduce los cambios que va experimentando.

“Tangled” presenta nuevas canciones y una banda sonora de Alan Menken, el compositor de música/canciones ganador de ocho Oscar® (“The Little Mermaid” [La Sirenita], “Beauty and the Beast” [La Bella y la Bestia], “Aladdin”, “Pocahontas”, y, la más reciente, “Enchanted” [Encantada]). Las letras son de Glenn Slater, nominado a los premios Tony® y Grammy® en 2008 por su trabajo en “The Little Mermaid” (La Sirenita).

“Tangled” (Enredados) se estrenó cines en Estados Unidos el 24 de noviembre de 2010, en Disney Digital 3D™. Es una maravillosa historia de aventuras, sentimientos, humor y cabello—mucho cabello. “Es una película muy entretenida, emocionante y tremendamente divertida”, dice Lasseter. “Al público le va a encantar”.

Fuente: Walt Disney Studios

Walt Disney Pictures presenta una aventura ‘high-tech’ que se desarrolla en un mundo digital que no se parece a nada de lo que se ha visto hasta ahora en la gran pantalla. Dirigida por Joseph Kosinski, “TRON: LEGACY” está protagonizada por Jeff Bridges, Garrett Hedlund, Olivia Wilde, Bruce Boxleitner, James Frain, Beau Garrett y Michael Sheen y producida por Sean Bailey, Jeffrey Silver y Steven Lisberger. Donald Kushner se desempeñó como productor ejecutivo, y Justin Springer y Steve Gaub son los co-productores. “TRON: LEGACY” está escrita por Eddy Kitsis y Adam Horowitz, a partir de una historia de Edward Kitsis, Adam Horowitz, Brian Klugman y Lee Sternthal y basada en los personajes creados por Steven Lisberger y Bonnie MacBird.

“TRON: LEGACY” se presenta en Disney Digital 3D™, Real D 3D y la banda sonora está compuesta por Daft Punk, el dúo de música electrónica galardonado con un premio Grammy®. La cinta deslumbra por su tecnología de última generación, sus efectos y su diseño de platós para ofrecer una aventura épica que se desarrolla en una red digital tan fascinante y asombrosa que supera todo lo imaginado.

El centro de esta aventura es la historia de un padre y un hijo tan impactante en la Red como en el mundo real: Sam Flynn (Garrett Hedlund), un joven rebelde de 27 años, vive atormentado por la misteriosa desaparición de su padre, Kevin Flynn (que interpreta Jeff Bridges, galardonado con un Oscar® y un Globo de Oro®), un hombre que fue reconocido como el máximo visionario de tecnología del mundo.

Sam sigue la pista de una extraña señal procedente de la antigua sala de juegos recreativos de Flynn. Acude allí porque sabe que sólo la ha podido enviar su padre y acaba absorbido en la red digital en la que se padre lleva atrapado 20 años. Con la ayuda de la intrépida guerrera Quorra (Olivia Wilde), padre e hijo se embarcan en un viaje de vida o muerte a través de un universo digital visualmente asombroso: un mundo creado por el mismo Kevin mucho más avanzado, con vehículos, armas y paisajes jamás imaginados, y con un despiadado villano dispuesto a todo para impedir que logren escapar.

La versión original de “TRON” de Walt Disney Studios se estrenó en 1982 y rompió moldes convirtiéndose en una película high tech de culto del visionario guionista/director Steven Lisberger, que ahora es el productor de “TRON: LEGACY”. “TRON” fue pionera en el uso de gráficos por ordenador, platós virtuales y efectos de retroiluminación. Su combinación única de acción real rodada en 70mm, efectos generados por ordenador y animación dibujada a mano, la convirtió en uno de los largometrajes más impactantes de la época. “TRON” se convirtió en una cinta de culto, que lleva más de 25 años formando parte de la cultura popular y que representa un punto de inflexión de las películas con efectos.

Los avances tecnológicos actuales han abierto un enorme abanico de posibilidades para la creación de una secuela independiente de “TRON”, dirigida al público actual. Hoy, la generación de la XBOX está enganchada a Internet, a teléfonos que son diminutos ordenadores con los que juegan en red. Este mundo no era más que un sueño en la época en que se realizó “TRON”.

Steven Lisberger desempeñó un papel decisivo para hacer realidad “TRON: LEGACY”. “Empezamos a hablar de este proyecto en Disney hace unos diez años… Muchos de los ejecutivos con los que he hablado ya pintan canas, y de la misma forma, la película ha ido cambiando con el paso del tiempo, atravesando muchas etapas diferentes. La última vez que retomamos el proyecto, nos dimos cuenta que contábamos con el mejor grupo de profesionales para hacerlo realidad. Exploramos otros caminos antes de éste, pero no se ajustaban con la época. Pero el argumento de la historia sí que era perfecto”.

El productor Sean Bailey, que por aquel entonces era presidente de Idealogy, Inc., retoma la historia y señala que hace unos cuatro años, acudieron a él y su equipo para acelerar el desarrollo del proyecto. “Disney había estudiado un par de borradores escritos en la década de los años noventa pero ninguno le satisfacía. Así que nos contrataron para ver qué podíamos hacer. Pero sólo nos ocupábamos del desarrollo, proponiendo ideas y reuniéndonos con guionistas”.

“‘TRON: LEGACY’ es, técnicamente, una película autónoma. Así que puedes verla sin saber nada de la historia original y disfrutarla. La historia se tiene en pie por sí misma” —Sean Bailey, productor

Cuando la película estaba en sus primeras fases de desarrollo, un golpe de suerte hizo que el co-productor Justin Springer encontrara el material de prueba del director Joseph Kosinski. A pesar de que Kosinski no tiene experiencia en el cine, su talento había quedado patente como director de campañas publicitarias de prestigio como “Halo”, “Gears of War” y Nike.

Con un título de arquitecto por la Universidad de Columbia, Kosinski posee un don especial para el diseño y la estética, así como un excelente dominio de la tecnología digital que se ve reflejado en su trabajo. “La forma de hacer películas está cambiando, y estoy convencido que Joe [Kosinski] es uno de los líderes de esa revolución”, señala Bailey.

Sean Bailey recuerda cuando conoció a Joseph Kosinski. “Conocí a Joe y me impactó su visión, su sentido de la narración y su seguridad. Después fuimos al estudio y conversamos sobre la manera en que deseábamos llevar adelante el proyecto. La seguridad que inspiraba Joe fue lo que nos llevó a realizar esa primera prueba de efectos visuales”.

Kosinski, Bailey y el resto del equipo convencieron a los ejecutivos de Disney para que les permitieran realizar una prueba de concepto. Querían demostrar lo que la tecnología actual podía hacer con los elementos más emblemáticos del mundo digital de “TRON”, como las motos ligeras (Lightcycles) y las batallas de discos. El resultado fue un corto increíble que dejó sin habla al público de la feria Comic Con de San Diego en 2008. Se dio luz verde al proyecto y los realizadores se pusieron manos a la obra.

La música electrónica también se reinventó gracias al dúo Daft Punk, verdaderos pioneros en esa disciplina artística. Desde el lanzamiento de su primer sencillo en 1993, los talentos combinados de los DJs Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter dieron lugar a un nuevo género de música house. El sonido de Daft Punk es una atrevida mezcla de música de baile, house progresivo, funk, tecno y música electrónica. Tras su brillante álbum de debut de 1997 (Homework), el grupo lanzó otros dos trabajos de estudio (Discovery en 2001, Human After All en 2005) y dos álbumes en directo (Alive 1997, Alive 2007).

Cuando Joseph Kosinski se incorporó al proyecto para dirigir “TRON: LEGACY”, oyó que el dúo Daft Punk, cuyo arte y estilo estaban influenciados por la película original, estaba interesado en participar en el proyecto. Kosinski y el dúo se reunieron en Hollywood en un desayuno a base de tortitas durante el cual hablaron extensamente sobre la visión del director.

Los tres artistas averiguaron que compartían el mismo enfoque creativo y comenzaron a trabajar en la banda sonora de la película desde las primeras etapas de la producción. A lo largo de tres años, la banda sonora fue tomando forma y propone una combinación única de sonidos de orquesta, electrónica y granulares.

El dúo trabajó estrechamente con los realizadores no sólo en la banda sonora, sino también en el diseño de sonido, sobre todo cuando el diseño de sonido se funde con los sonidos de ambiente. Se trata de un enfoque musical muy sofisticado: una combinación de distintos registros que a veces desdibuja la línea que separa música y diseño de sonido de un modo realmente interesante. “Esta película incluye más de 100 minutos de música. Y ésta profundamente ligada a lo visual. Lo cierto es que no se imaginar esta película sin su música”, señala Kosinski.

La tecnología de punta otorga a “TRON: LEGACY” su aspecto y estilo vanguardista ya que los realizadores tuvieron que enfrentarse a muchas menos limitaciones informáticas. Pero a pesar de las ventajas visuales evidentes que proporcionan las nuevas tecnologías, los realizadores han querido mantener intacto el espíritu del sueño de Lisberger.

Para conseguirlo, la película reúne la tecnología cinematográfica más sofisticada, que incluye cámaras aún más avanzadas que las utilizadas en la película “Avatar”, con una fusión de gráficos generados por ordenador y platós de acción real.

Con esa tecnología en manos de diseñadores creativos y de talento y de realizadores visionarios, “TRON: LEGACY” presenta un diseño vanguardista e impresionantes efectos visuales realzados por la última tecnología estereoscópica (3D). La película combina la acción real con la animación por ordenador fotorrealista, algo con lo que sólo se podía soñar en el pasado. Como señala el productor Jeffrey Silver: “Era evidente que una película tan vanguardista como lo fue ‘TRON’ en la década de los ochenta tenía que continuar con una película que fuera igualmente vanguardista en el siglo XXI. Si íbamos a hacer ‘TRON: LEGACY’, teníamos que llegar mucho más lejos. Y es lo que hicimos”.

Fuente: Walt Disney Studios